vignette|La sculptrice Augusta Savage avec son œuvre , vers 1938 (Archives of American Art). vignette|, peinture de Henry Ossawa Tanner (1894, musée d'art de l'université de Hampton). vignette|Arachne, sculpture de Richard Hunt (1956, MoMA). L'art afro-américain se réfère aux arts visuels créés par des Afro-Américains, c'est-à-dire des Américains qui s'identifient comme Noirs. Ces artistes ont développé un éventail d'œuvres variées pendant plus de deux siècles.. Certains se sont inspirés des traditions culturelles africaines et d'autres régions du monde, tandis que d'autres ont puisé dans les formes d'art plastique traditionnelles afro-américaines telles que la vannerie, la poterie, le matelassage, la sculpture sur bois et la peinture. Certains de ces styles sont souvent classés dans les catégories de « l'artisanat » ou de « l'art populaire...
Les artistes afro-américains ont également été influencés par les traditions artistiques européennes, ainsi que par leurs expériences personnelles de la vie, du travail et des études dans ce pays.... Comme leurs collègues occidentaux, beaucoup travaillent dans les styles réaliste, moderniste et conceptuel, et toutes les variations intermédiaires, y compris le mouvement expressionniste abstrait américain, — une approche de l'art que l'on retrouve dans les œuvres d'Howardena Pindell, McArthur Binion et Norman Lewis, entre autres..
Comme leurs pairs, les artistes afro-américains travaillent également dans un éventail de médias, parmi lesquels la peinture, la gravure, le collage, l'assemblage, le dessin, la sculpture.. Leurs thèmes sont tout aussi variés, bien que beaucoup d'entre eux abordent également, ou sentent qu'ils doivent aborder, les questions de la négritude américaine..
Art afro-américain primitif Époques précoloniales, antebellum et guerre civile
Les premières traces d'art afro-américain aux États-Unis sont les œuvres d'artisans qualifiés, esclaves de la Nouvelle-Angleterre. Deux catégories d'objets d'artisanat d'esclaves subsistent dans l'Amérique coloniale : les articles créés pour l'usage personnel des esclaves et les articles créés pour l'usage public. Parmi les exemples datant du au début du , on trouve : des petits tambours, des édredons, des figurines en fer forgé, des paniers, des récipients en céramique et des pierres tombales...
Bon nombre des artisans esclaves les plus qualifiés d'Afrique sont loués par les propriétaires d'esclaves. Avec le consentement de leurs maîtres, certains artisans esclaves peuvent également conserver un petit pourcentage du salaire gagné pendant leur temps libre afin d'économiser suffisamment d'argent pour acheter leur liberté et celle des membres de leur famille..
Les œuvres d'art publiques produites par les artisans esclaves constituent une contribution importante à l'économie coloniale. En Nouvelle-Angleterre et dans les colonies du centre du littoral atlantique, les esclaves étaient apprentis orfèvres, ébénistes, graveurs, sculpteurs, portraitistes, charpentiers, maçons et ferronniers. La construction et la décoration de la , bâtie sur le fleuve Hudson en 1712, sont l'œuvre d'Afro-Américains. Un grand nombre des plus anciens bâtiments de Louisiane, de Caroline du Sud et de Géorgie ont été construits par des artisans esclaves.
Au milieu du , était un sculpteur de corne à poudre et un soldat de la milice du Massachusetts qui combattait les Britanniques lors de la guerre de la Conquête USA Today Magazine, mai 2005, vol. 133, , p. 48–52... Patrick H. Reason, Joshua Johnson et figurent parmi les premiers portraitistes connus, de la période 1773-1887. Le parrainage de certaines familles blanches permettait de dispenser des cours particuliers dans des cas particuliers. Nombre de ces Blancs mécènes étaient des abolitionnistes. Les artistes recevaient davantage d'encouragements et étaient mieux à même de subvenir à leurs besoins dans les villes, qui étaient plus nombreuses dans le Nord et les États frontaliers.
(1837-1910) était une artiste folklorique afro-américaine et une fabricante de courtepointes originaire de la Géorgie rurale, aux États-Unis, née en esclavage. Désormais reconnue au niveau national pour ses courtepointes, elle utilisait des techniques d'application traditionnelles pour y inscrire des légendes locales, des récits bibliques et des événements astronomiques. Seuls deux de ses derniers courtepointes ont survécu : et . Ses courtepointes sont considérés comme l'un des plus beaux exemples de courtepointe sudiste du Kyra E. Hicks, This I Accomplish: Harriet Powers' Bible Quilt and Other Pieces, 2009...
Comme Powers, les femmes de Gee's Bend ont développé un style de courtepointe distinctif, audacieux et sophistiqué, basé sur les courtepointes traditionnels américains (et afro-américains), mais avec une simplicité géométrique. Bien que séparés par la géographie, ces courtepointes ont des qualités qui rappellent les courtepointes amish et l'art moderne. Les femmes de Gee's Bend ont transmis leur savoir-faire et leur esthétique à travers au moins six générations jusqu'à aujourd'hui.. À une époque, les spécialistes pensaient que les esclaves utilisaient parfois des blocs de contrepointe pour avertir les autres esclaves de leurs plans d'évasion à l'époque du chemin de fer clandestin Raymond Dobard Jr. et Jacqueline Tobin, Hidden in Plain View, 1999., mais la plupart des historiens ne sont pas de cet avis. Le contrepoint reste une forme d'expression artistique vivante dans la communauté afro-américaine.
La Reconstruction
vignette|Henry Ossawa Tanner, The Thankful Poor (1984, Fondation Art Bridges, Bentonville (États-Unis). Après la guerre de Sécession, il est devenu de plus en plus acceptable pour les œuvres créées par les Afro-Américains d'être exposées dans les musées, et les peintres et les sculpteurs ont de plus en plus produit des œuvres à cette fin. Il s'agissait principalement d'œuvres s'inscrivant dans les traditions romantiques et classiques européennes de paysages et de portraits. Edward Mitchell Bannister, Henry Ossawa Tanner et Edmonia Lewis sont les plus remarquables de cette période. Parmi les autres, citons Meta Vaux Warrick Fuller, une artiste féminine qui, comme Edmonia Lewis, était sculptrice, ainsi que et ....
L'objectif d'une reconnaissance généralisée au-delà des frontières raciales a d'abord été facilité dans les grandes villes américaines, notamment Philadelphie, Boston, Chicago, New York et la Nouvelle-Orléans. Cependant, même dans ces villes, il existe des restrictions discriminatoires. À l'étranger, cependant, les Afro-Américains étaient beaucoup mieux accueillis. En Europe ces artistes étaient plus libres d'expérimenter des techniques en dehors de l'art occidental traditionnel. La liberté d'expression y était beaucoup plus répandue et, dans une moindre mesure, à Munich et à Rome.
Art contemporain Renaissance de Harlem
La Renaissance de Harlem fait référence à un énorme épanouissement de l'art afro-américain sous toutes ses formes, y compris les arts visuels. Des idées déjà répandues à l'époque dans d'autres parties du monde ont commencé à se propager dans les communautés artistiques américaines au cours des années 1920. Parmi les artistes notables de cette période figurent Richmond Barthé, Aaron Douglas, , Palmer Hayden, William H. Johnson, Sargent Claude Johnson, , , Malvin Gray Johnson, Archibald Motley, Augusta Savage, Hale Woodruff et le photographe James Van Der Zee.
William E. Harmon, mécène et amateur d'art, a créé la en 1922. Jusqu'en 1967, cette institution a joué le rôle de mécène à grande échelle de l'art afro-américain, suscitant l'intérêt et la reconnaissance d'artistes qui, autrement, seraient peut-être restés inconnus. Le et l'exposition annuelle ont également contribué à ce soutien, qui, bien que ne se limitant pas aux artistes visuels, a été décerné à plusieurs d'entre eux, dont Hale Woodruff, Palmer Hayden et Archibald Motley. En 1929, le financement a été temporairement interrompu en raison de la Grande Dépression, pour reprendre l'organisation d'expositions et l'offre de financement une fois que l'économie a relancé des artistes comme Jacob Lawrence, Laura Wheeler Waring et d'autres.
En 1933, le du département du Trésor des États-Unis tentait d'apporter un soutien aux artistes, mais ses efforts se sont avérés inefficaces. Le président Franklin D. Roosevelt a créé la Works Progress Administration (WPA) en 1935, et ce programme a réussi à fournir à tous les artistes américains, et en particulier aux artistes afro-américains, un moyen de gagner leur vie dans une économie dévastée. Au milieu des années 1930, plus de étaient impliqués dans la WPA., dont Jacob Lawrence, , le sculpteur , le peintre et illustrateur de livres pour enfants , le dessinateur et illustrateur , le photographe , , qui a inventé la méthode de gravure au carborundum en manière noire, les peintres et , surtout connus pour leurs peintures murales de l'hôpital de Harlem, le graveur de Chicago , et l'artiste renommé de l'Illinois et bien d'autres. Nombre de ces artistes ont été attirés par le mouvement de l'entre-deux-guerres connu sous le nom de , qui reflétait les opinions politiques et socio-économiques d'une génération qui avait été enrôlée dans la Première Guerre mondiale, pour ensuite danser pendant les années folles et s'effondrer pendant la Grande Dépression.
Parmi les villes importantes comptant une importante population noire et d'importants cercles artistiques afro-américains, citons Philadelphie, Boston, San Francisco et Washington, D.C. La WPA a entraîné une nouvelle vague d'importants professeurs d'art noirs. Les techniques mixtes, l'art abstrait, le cubisme et le réalisme social sont devenus non seulement acceptables, mais souhaitables. Les artistes de la WPA s'unissent pour former en 1935 la , qui développe des installations artistiques communautaires dans les grandes villes. Les principales formes d'art comprenaient le dessin, la sculpture, la gravure, la peinture, la poterie, le patchwork, le tissage et la photographie. En 1939, cependant, la coûteuse WPA et tous ses projets ont pris fin. En 1943, James A. Porter, professeur au département d'art de l'université Howard, a écrit le premier texte important sur l'art et les artistes afro-américains, ..
Mitan du Dans les années 1950 et 1960, peu d'artistes afro-américains étaient largement connus ou acceptés. Malgré cela, les , une association informelle de afro-américains de Fort Pierce, en Floride, ont créé des images idylliques et rapidement réalisées du paysage de Floride et en ont vendu quelque dans les coffres de leurs voitures. Dans les années 1950 et 1960, il était impossible de trouver des galeries intéressées par la vente d'œuvres d'art d'un groupe d'Afro-Américains inconnus et autodidactes, de sorte qu'ils vendaient leurs œuvres directement au public plutôt que par l'intermédiaire de galeries et d'agents artistiques.. Redécouverts au milieu des années 1990, ils sont aujourd'hui reconnus comme une partie importante de l'histoire populaire américaine. et le prix du marché actuel pour une peinture originale des Highwaymen peut facilement atteindre des milliers de dollars. En 2004, le groupe original de a été intronisé au ..
Après la Seconde Guerre mondiale, certains artistes ont adopté une approche globale, travaillant et exposant à l'étranger, à Paris, et au fil de la décennie, se sont progressivement installés dans d'autres villes accueillantes comme Copenhague, Amsterdam et Stockholm : Barbara Chase-Riboud, , , Beauford Delaney, , , , , , , . Valerie Mercer, Explorations in the City of Light, New York, The Studio Museum in Harlem, 1996..