Laura Aguilar, née le 26 octobre 1959 à San Gabriel et morte le 25 avril 2018 à Long Beach, est une photographe lesbienne américaine.

Elle est largement autodidacte, bien qu'elle participe à quelques cours de photographie au East Los Angeles College, où elle expose ses photos, dans une exposition intitulée Show and Tell. Elle est connue pour ses portraits et surtout pour ses autoportraits. Elle se focalise sur la représentation de personnes de communautés marginalisées, explorant les thèmes LGBT et latinos, l'estime de soi et la stigmatisation sociale de l'obésité (grossophobie). Elle est reconnue comme une figure proéminente de la photographie LGBT.

Biographie Laura Aguilar est la fille d'un père mexicain-américain de première génération. Sa mère est d'ascendance mixte mexicaine et irlandaise. Elle a une dyslexie auditive et développe très tôt un intérêt pour la photographie, et poursuit ses études secondaires à la de Montebello, en Californie.

En 1987, pendant un cours de photographie à l'école, elle rencontre , un poète mexicano-américain séropositif. Cuadros accompagne Aguilar au downtown Los Angeles pour faire de la photographie.

Laura Aguilar exerce comme photographe à partir des années 1980. Elle est principalement autodidacte, bien qu'elle étudie un temps à l'East Los Angeles Community College et participe aux ateliers et aux .

Pionnière du féminisme intersectionnel, Laura Aguilar réalise principalement des portraits. Son travail se concentre sur des portraits humains et défie les constructions sociales contemporaines de beauté, en se focalisant sur les lesbiennes latinas, les Noirs et les personnes en surpoids. Selon les critiques, elle aurait souvent utilisé l'autoreprésentation pour accepter son propre corps en défiant les normes sociales de sexualité, de classe, de genre et de race. Elle intègre dans sa pratique artistique une représentation des vulnérabilités, du lesbianisme et de la condition chicana, qui forment sa propre identité multiforme. Elle se définit elle-même comme lesbienne, latina et pauvre. Dans sa série (1996–99), (1999) et (2001), elle mélange le genre du portrait avec celui du paysage et de la nature morte, se mettant en scène nue dans le paysage. Aguilar déclare que son objectif artistique est de .

Les œuvres d'Aguilar sont montrées dans plus de 50 expositions nationales et internationales, y compris à la Biennale de Venise de 1993, en Italie, la Bridge Gallery de la mairie de Los Angeles, Los Angeles Contemporary Exhibitions (LACE), au Los Angeles Photography Center, à la Women's Center Gallery de l'université de Californie à Santa Barbara, et à l'exposition . En 1995, elle reçoit le prix James D. Phelan pour la photographie, et en 2000, elle reçoit le prix Anonymous Was A Woman. Elle a sa première rétrospective au du East Los Angeles College, au sein de la série d'expositions en 2017-18. L'exposition est aussi montrée à Miami au Frost Art Museum et au Musée national d'art mexicain de Chicago. Elle est inaugurée dans le musée Leslie-Lohman de New York au printemps de 2021.

Postérité Laura Aguilar est morte de complications dues au diabète dans la résidence Colonial Care Center de Long Beach en Californie, à .

De nouvelles rétrospectives ont lieu après son décès, comme Laura Aguilar: Body and Landscape, The Huntington, en 2026 et Body, land, and lens: the photography of Laura Aguilar, jusqu'en 2027 au Victoria and Albert Museum de Londres.

Collections Son œuvre fait partie de diverses collections publiques, comme l'Institut Kinsey de recherche sur le sexe, le genre et la reproduction de l'université de l'Indiana, à Bloomington, le musée d'art du comté de Los Angeles, le musée d'art contemporain de Los Angeles, le musée Whitney d'art américain de New York ou encore le Nouveau musée d'art contemporain de New York.

Œuvre

: une grande partie du travail d'Aguilar sont des autoportraits nus, ces séries comprennent et . : une série de díptyques qui représentent une variété de thèmes à propos de personnes LGBT, hétérosexuelles, latines et noires. La première photographie montre des personnes habilles et la deuxième des personnes sans vêtement. est un autoportrait qui montre Aguilar couchée dans une chaise face à une fenêtre ouverte. est un triptyque. Dans le centre, Aguilar est attachée avec des cordes avec le drapeau mexicain enveloppé autour de sa tête et le drapeau américain autour de ses hanches. L'aigle du drapeau mexicain couvre son visage. Le panneau à sa gauche est une photo du drapeau mexicain et à sa droite est le drapeau américain. est une série de portraits en blanc et noir de femmes lesbiennes, pour la plupart commandés par . Sous chaque portrait figurent des notes écrites à la main par les femmes qui apparaissent dans les photos. est la tentative d'Aguilar de montrer tous les visages de la communauté lesbienne latine. Aguilar se trouve dans le bar de lesbiennes de l'est de Los Angeles appelé The Plush Pony et photographie les clientes en créant une série de portraits en blanc et noir de la communauté de la classe ouvrière.

Réception et critique Critiques et académiques associent l'œuvre d'Aguilar avec le féminisme chicana. Aguilar s'éloigne des images normatives des corps féminins chicanos. , directeur du Centre de Recherche d'Études chicanos à UCLA, indique .

À propos de l’œuvre d’Aguilar , Charlene Villasenor Black, professeure à l’UCLA qui enseigne l’œuvre d’Aguilar tant dans ses cours d’histoire de l’art que dans ceux consacrés aux études chicanx, déclare : .

Selon les critiques, ses autoportraits les plus récents explorent la manière dont s’entrecroisent ses identités de femme latino-américaine, lesbienne, dyslexique et en surpoids. Sa série la plus connue est souvent considérée comme étant Latina Lesbians (1986-89), qu’elle a lancée afin de contribuer à donner une image positive des lesbiennes latino-américaines lors d’une conférence sur la santé mentale. Parmi ses autres œuvres populaires, on peut citer (1990-94), (1992) et (2006-07), cette dernière étant sa première œuvre réalisée en couleur. Le critique A. M. Rousseau note : « [Aguilar] rend public ce qui est le plus intime. Par cet acte audacieux, elle transgresse les images familières de la représentation du corps humain et remplace les stéréotypes par des images d’autodéfinition. Elle revendique son corps pour elle-même ».

Bibliographie

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Références

Voir aussi Photographie LGBT

Liens externes

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