La photographie d’art ou photographie artistique est moins un genre photographique tels la photographie de paysages ou le portrait qu’une approche créative au moyen de laquelle un photographe vise à exprimer une idée, envoyer un message ou susciter une émotion grâce à l’image produite. On la retrouve dans la plupart des genres photographiques dès lors que le photographe, délaissant la reproduction fidèle de la réalité, met plutôt l’accent sur les formes, l’éclairage, la texture de l’objet ou du sujet, ou encore compose sa photo de façon à produire un effet spécifique.

La photographie d’art apparait dès les débuts de la photographie, mais elle ne sera reconnue comme telle qu’après que la photographie elle-même, considérée au départ comme une simple technique, ne s’impose comme un « art » à part entière dans les années 1950 et fasse son entrée dans les musées (MoMA de New York) ou trouve sa place dans les média (création de l’agence Magnum).

La photographie d’art se reconnait généralement aux traits esthétiques qu’elle renferme, soit essentiellement la composition, l’éclairage, les couleurs et la tonalité, ainsi que les textures et les détails.

Les artistes pratiquant la photographie d’art le font généralement dans le cadre de leur spécialité respective. On pense par exemple à Ansel Adams et à la photographie de paysage, à Yousuf Karsh et au portrait, au couple Bernd et Hilla Becher et à la photographie des espaces urbains; d’autres cependant l’on fait dans plusieurs genres simultanément comme Alfred Stieglitz qui fut à la fois portraitiste et photographe de rue, ou László Moholy-Nagy qui, en plus d’enseigner, innova dans le domaine de la photographie abstraite tout en pratiquant la photographie d’architecture. D’autres enfin, l’incorporeront dans une pratique multidisciplinaire comme David Hockney, à la fois peintre, portraitiste et paysagiste, dessinateur, graveur, décorateur, photographe et théoricien de l'art.

Définition

thumb|left|Une des premières œuvres du modernisme artistique, The Steerage, (1907) par Alfred Stieglitz, qui fut aussi le premier à faire entrer la photographie d’art dans les musées.

La photographie d'art est un médium par lequel l’artiste utilise la photographie comme véhicule pour projeter une vision personnelle, une émotion, un concept ou un message.. Contrairement à la photographie documentaire, commerciale ou journalistique, lorsque celles-ci visent uniquement à représenter la réalité ou à promouvoir un produitÀ noter que la photographie journalistique peut transmettre des scènes traduisant une extrême émotion comme celles de Dorothea Lange (É.U.A., 1895-1065) et sa série Migrant Mother, Nipomo, California, ou encore la célèbre photographie de Nick Ut (Vietnam/E.U.A., né en 1951) montrant une jeune Vietnamienne nue fuyant sur la route après que son village ait été arrosé de napalm., la photographie d'art se distingue par une intention créative et individuelle, souvent en dehors de toute commande externe.. Elle dépasse ainsi la simple capture d'une scène pour devenir une interprétation subjective du monde par laquelle l'artiste concrétise son potentiel créatif.

Certains pays comme la France se sont dotés d’une définition juridique de la « photographie d’art ». Ainsi l’article 98 A (annexe III) du Code Général des Impôts français stipule que sont considérées comme photographie d’art « les photographies prises par l'artiste, tirées par lui ou sous son contrôle, signées et numérotées dans la limite de trente exemplaires, tous formats et supports confondus ». Pour utile qu’elle soit lorsqu’il s’agit de déterminer la propriété intellectuelle ou d’évaluer la valeur marchande d’une photographie destinée à être présentée dans un espace public ou privé, cette définition ne s’applique qu’au domaine juridique; plus généralement on reconnaitra une photographie d’art à son attrait esthétique, sa composition irréprochable et son engagement conceptuel avéré.

La photographie d’art peut dès lors se retrouver dans plusieurs autres genres photographiques comme la photographie de paysage, la photographie conceptuelle ou même dans certains cas la photographie commercialeVoir par exemple les remarquables photographies d’objets de luxe de grandes marques exposées sur le site : https://www.prophotostudio.net. On la retrouve, bien que plus rarement, dans d’autres genres photographiques s’attachant à illustrer la réalité comme la photographie documentaire ou le photojournalisme..

Historique

Avant que la photographie artistique ne puisse être reconnue comme une catégorie particulière parmi divers genres photographiques, il fallait que la photographie elle-même soit établie comme un « art » alors qu’elle ne fut longtemps considérée que comme une « technique » (William Henry Fox Talbot)., voire un « artisanat » (Henri Cartier-Bresson).

D’une technique à une forme d’art

thumb|right| L’atelier de l'artiste, daguerréotype, 1837.

Lorsque furent présentées les « Vues d’une fenêtre » réalisées par les trois pionniers de la photographie que furent Nicéphore Niépce (France, 1765-1833) de sa maison, Louis Daguerre (France, 1787-1851) de sa chambre et William Henry Talbot (Angleterre, 1800-1877) d’un hôtel, le public y vit un exploit technique certes, mais ne songea pas à leur attribuer une valeur artistique. Leurs concepteurs eux-mêmes ne visaient pas à leur donner une telle dimension : ces images étaient de très petits formats et se présentaient seulement en noir-et-blanc (ou plus généralement en sépia); l’image était inversée par rapport à la réalité et les surfaces réfléchissantes interféraient avec l’image selon la position dans laquelle on tenait le daguerréotype.

Le dessein initial des inventeurs était de reproduire aussi fidèlement que possible la réalité se trouvant devant leur objectif. William Henry Fox Talbot voyait dans l’appareil photographique « un simple instrument de travail (...) qui est mis dans les mains d’esprits ingénieux et de l’art ».. En même temps, l'invention du daguerréotype par Louis Daguerre en 1839, celle du « dessin photogénique » puis les essais de « camera obscura » par le même Talbot, permirent de croire que si l’appareil photographique était une mécanique, il pouvait s’ouvrir à une autre dimension. C’est ainsi que les premiers photographes tenteront d’imiter la peinture et créer ainsi des œuvres « artistiques ».

En 1886, Peter Henry Emerson, photographe britannique (1856-1936) tenant de la « photographie naturaliste » influencé par les peintres français de cette école, prononça une conférence dans laquelle il défendit pour la première fois la légitimité artistique de la photographie.. L’expression « a pictorial art » utilisée alors donnera naissance au « pictorialisme », premier mouvement de photographie artistique à faire école dans les années 1880, lequel considérait que la photographie, en tant que forme d’art, devait mettre de l’avant la beauté, le mystère et le symbolisme entourant le sujet photographié plutôt que d’en être le simple rendu objectif, tout comme commençaient à le faire les impressionnistes en peinture..

thumb|left|The Whisper of the Muse (Le chuchotement de la muse) par Julia Margaret Cameron (1865)

Certains photographes entreprirent de donner à leurs images un cachet particulier. C’est le cas par exemple de Julia Margaret Cameron (Angleterre, 1815-1879), laquelle venue tardivement à la photographie donnera à ses portraits un reflet de douceur dans des « tableaux vivants » représentant des allégories inspirées par des peintres italiens du .. Charles Lutwidge Dodgson (Angleterre, 1832-1898), mieux connu sous son nom de plume de Lewis Carrol, fut de 1858 à 1880 un photographe-portraitiste renommé. Il photographia diverses personnalités comme Dante Gabriel Rossetti, Julia Margaret Cameron, Michael Faraday, Lord Salisbury, et Alfred Tennyson.. Utilisant le procédé récemment inventé du collodion, il retouchait ses photographies soit en les rendant plus floues, soit en leur appliquant des couleurs. Il mit fin à cette pratique toutefois après que ses collègues se soient mis au procédé de la plaque sèche permettant une production beaucoup plus rapide au plan technique et que le gout populaire se soit porté vers le modernisme au plan esthétique.. Oscar Gustave Rejlander (Angleterre, 1813 – 1875), portraitiste d’enfants, genre particulièrement apprécié à l’époque, produira également des scènes de genreReprésentation d'une scène à caractère anecdotique ou familier, fort répandu en peinture depuis le Moyen-Âge., inspirées de la peinture hollandaise, et racontera de petites histoires en faisant se suivre plusieurs clichés, amorce de la photographie narrative. Travaillant à améliorer le calotypeProcédé photographique inventé par William Henry Fox Talbot permettant d'obtenir un négatif papier direct et donc de reproduire des images positives par simple tirage contact., il s'essaya à la composition photographique, ou photocomposition, procédé qui permettra l’avènement du photomontage. Rejlander s'en servit au départ pour corriger certains détails de ses photographies, mais l'utilisa bientôt pour créer des scènes originales.. L’étape décisive vers la reconnaissance de la photographie comme forme d’art fut franchie grâce aux efforts d’Alfred Stieglitz (États-Unis, 1864-1946), grand promoteur de l’art moderne, qui fut vice-président du Camera Club de New York, lieu de rencontre de « gentlemen » cherchant à échapper à la popularisation massive de ce médium dans les années 1880. Son magazine, le Camera Note publié à partir de 1897, se fera le champion de la photographie comme forme d’art grâce à des articles sur l’art et l’esthétique à côté de clichés provenant des plus éminents photographes américains et européens..

Autre photographe ayant contribué à la reconnaissance de la photographie comme forme d’art et à l’avènement de la photographie artistique, Man Ray (nom à la naissance : Emmanuel Radnitsky, originaire des États-Unis, ayant fait carrière en France, 1890-1976). Outre de photographier les grands artistes de son temps comme James Joyce, Gertrude Stein ou Jean Cocteau, il révolutionnera pendant vingt ans l’art photographique et contribuera à valoriser l’œuvre d’Eugène Atget en la faisant découvrir aux surréalistes de l’époque. Favorisée par le développement de la presse illustrée, la photographie acquiert alors son autonomie et s’affirme comme un médium à part entière, conservant des liens avec la peinture et la littérature..

Expansion de la photographie d’art

thumb| left|Monolith, the Face of Half Dome, photographié par Ansel Adams en 1927.

Déjà, plusieurs photographes actifs dans divers genres photographiques avaient voulu donner à leurs œuvres une dimension artistique. C’est le cas, par exemple, d’Ansel Adams (É.U.A., 1902-1984), environnementaliste avant que le terme ne soit répandu, dont les photos de paysages dépassent la simple reproduction de sites pour susciter chez l’observateur le désir de préserver le caractère de cette nature vierge.. Ce sera également le cas, dans leur genre propre, d’autres photographes comme Alfred Stieglitz (E.U.A. 1864-1946), André Kertész (Hongrie, 1894-1985), László Moholy-Nagy (Hongrie, 1895-1946).