David Lebe (Manhattan, 1948) é um fotógrafo americano. É mais conhecido por suas imagens experimentais usando técnicas como câmeras pinhole, fotografias coloridas à mão, fotogramas e desenhos com luz. Muitas de suas fotografias exploram questões relacionadas à identidade gay, homoerotismo e convivência com a AIDS, ligando seu trabalho ao de contemporâneos como Robert Mapplethorpe, Peter Hujar e David Wojnarowicz. Embora seu estilo e abordagem o diferenciem desses contemporâneos, “Lebe é agora incontestavelmente parte da história dos artistas queer do século XX”.
Infância e educação Lebe nasceu em Manhattan e cresceu no centro da cidade, em Stuyvesant Town–Peter Cooper Village. Frequentou a progressista City and Country School e a High School of Music & Art, onde se formou em 1966. Aos quinze anos, já tinha desenvolvido um profundo interesse pela fotografia e visitava regularmente os museus e galerias de Nova Iorque, onde admirava o trabalho de fotógrafos como Dorothea Lange, Walker Evans e Robert Frank, entre outros, e desenvolveu um interesse duradouro pela fotografia de rua.
No outono de 1966, Lebe matriculou-se na Faculdade de Arte da Filadélfia (PCA), onde estudou fotografia com Ray K. Metzker, Barbara Blondeau e Tom Porett. Todos os três eram graduados pelo Instituto de Tecnologia de Illinois, Chicago, fundado por László Moholy-Nagy como sucessor da Bauhaus alemã, com uma forte tradição de experimentação. Foi na aula de Blondeau, em 1969–1970, que ele começou a experimentar câmeras pinhole, construindo seus próprios dispositivos com múltiplas aberturas que lhe permitiam registrar vistas panorâmicas do mesmo assunto a partir de vários ângulos. Sua tese de graduação, Form without Substance, consistia principalmente em imagens de alto contraste com fortes sombras pretas tiradas na Filadélfia e nos arredores de sua casa de infância em Manhattan. Essas primeiras experiências influenciaram sua abordagem à fotografia nas décadas seguintes, mesmo com a mudança de seus métodos e temas.
Carreira artística Após concluir seus estudos em 1970, Lebe retornou à Faculdade de Arte da Filadélfia (PCA) como instrutor em 1972. Ele continuaria lecionando na PCA (que se tornou a Universidade das Artes em 1985) até 1990. “Um experimentalista menos interessado em capturar o real do que em libertar suas imagens das restrições da realidade”, ele produziu vários trabalhos que exploram uma variedade de assuntos, muitas vezes utilizando técnicas fotográficas fundamentais e relativamente pouco tecnológicas de maneiras inovadoras. O curador Tom Beck observa que “a autobiografia é a chave para o trabalho [de Lebe], que mudou de tempos em tempos entre fotogramas, desenhos de luz e nus masculinos.”Tom Beck, Truth Fantasy: David Lebe Photographs (1986), citado em Leifheit, “Let Us Now Praise David Lebe.”
Fotografias pinhole A experimentação de Lebe com fotografias pinhole, iniciada quando era estudante na Faculdade de Arte da Filadélfia (PCA), continuou até 1975. Suas primeiras câmeras tinham sete ou nove aberturas e podiam registrar imagens de 180 graus, mas exigiam acesso a uma câmara escura para trocar os rolos de filme entre cada foto. Por volta de 1972, ele adicionou uma câmera mais portátil com quatro aberturas, que lhe permitia fotografar em qualquer lugar. Trabalhando tanto em estúdio quanto ao ar livre, e colaborou com amigos e desconhecidos. “Ao abrir e fechar as aberturas em momentos diferentes, Lebe podia criar uma única impressão em forma de pergaminho de todo o evento, transformando-o em uma colagem onírica de interações sociais.” Essas imagens desafiam a noção da fotografia como “momento decisivo” ou registro de uma única visão fixa em um momento discreto no tempo. “A visão do mundo que as fotografias pinhole de Lebe oferecem, em última análise, não parece tão decisiva assim”, escreveu o poeta e crítico Jameson Fitzpatrick. “É, ao contrário, uma recusa em se contentar com uma versão definitiva de qualquer cena. Não há realidade, sugerem essas imagens, somente realidades paralelas.”Fitzpatrick, "The Body Made Light."
Fotografias coloridas à mão Embora Lebe às vezes fotografasse com filme colorido, ele estava insatisfeito com os resultados da impressão colorida e com a perda do controle da câmara escura sobre as imagens. Após encontrar um conjunto de coloração manual em uma loja de câmeras em Nova Iorque, ele começou a pintar à mão impressões em gelatina de prata, incluindo imagens pinhole e fotogramas, além de fotografias tradicionais. Em 1974–1975, criou uma série de imagens que chamou de Unphotographs, retratos fotográficos em preto e branco meticulosamente pintados à mão de si mesmo e de outras pessoas, muitas vezes escolhendo cores que não tinham nenhuma relação com os temas reais.Peter Barberie, Long Light: Photographs by David Lebe (Philadelphia: Philadelphia Museum of Art; New Haven: Yale University Press, 2019), 20, 22.
Fotogramas Em 1976, Lebe comprou uma casa geminada na Filadélfia com espaço para moradia, uma câmara escura e um estúdio. Começou a fazer fotogramas usando plantas coletadas em seu jardim na cobertura ou em viagens ao campo, ou à praia. Converteu essas impressões negativas em positivas, ocasionalmente adicionando um efeito Sabattier durante o processo de impressão. Algumas impressões ele deixou em preto e branco; para outras, ele coloriu à mão o negativo e/ou o positivo, um processo único que “transformou os fotogramas em abstrações pictóricas surreais”.Feigin, “A Photographer’s Infinite Infinitude.” Várias séries distintas surgiram dessa experimentação: Specimens, que apresenta plantas, ossos e outros objetos combinados para criar formas híbridas fantásticas; Garden Series, imagens focadas exclusivamente em material vegetal, muitas vezes dissecado e remontado para criar novas “espécies”; e Landscapes, que coloca essas formas híbridas em cenários pintados à mão (e muitas vezes sobrenaturais). Sobre essas imagens, Lebe disse: “Eu estava criando os jardins e paisagens que eu ansiava. Ao longo do caminho, outras ideias foram expressas.”Richard Kagan, “An Interview with David Lebe,” The Photo Review 18, no. 2 (Spring 1995): 5.
Desenhos de luz Os primeiros desenhos de luz de Lebe foram autorretratos feitos em seu pequeno apartamento em 1976. Usando uma câmera 35 mm em um tripé, ele contornou seu corpo nu com a lanterna elétrica, acrescentando outras linhas e rabiscos ao longo do caminho. Essa experiência inicial levou a outras, nas quais ele contornou pessoas e objetos, tanto em ambientes internos quanto externos, na paisagem urbana noturna. “Entrelaçando a arte da fotografia com a arte do desenho, o artista acariciava seus modelos com luz, esboçando seus rostos, membros e órgãos genitais e, às vezes, adicionando detalhes fictícios, como arcos luminosos tocando os corpos dos modelos”, escreveu Lev Feigin na Hyperallergic. “Demarcando os limites do desejo, a luz preserva os traços dos homens enquanto provoca uma sensação de toque.”
Assim como as fotografias pinhole anteriores, os desenhos de luz exigiam longos tempos de exposição, permitindo que Lebe saísse de trás da câmera e interagisse com seus modelos. Nesse sentido, suas imagens se tornaram registros de eventos, em vez de momentos congelados no tempo. “Em vez de ser um ‘momento decisivo’, a fotografia se tornou os vinte minutos decisivos”, lembrou ele em uma entrevista de 1993. “Isso se tornou a base para a maneira como continuo trabalhando.”Kagan, “ Interview,” 3. Lebe here refers to the statement by Henri Cartier-Bresson that a photograph should capture the “decisive moment.”
Lebe continuou a fazer desenhos com luz durante cerca de uma década, tornando-se cada vez mais hábil no controle e na manipulação das fontes de luz, que podiam incluir lanternas, luzes estroboscópicas e luz ambiente. Em 1987, após a morte de um amigo próximo devido à AIDS e pouco antes de seu próprio diagnóstico de HIV, ele começou a criar fotos abstratas e sem figuras, desenhadas à mão livre com uma lanterna. Chamando-as de Scribbles, Lebe fez várias dessas imagens, que muitas vezes luz emergindo de um vaso de vidro no meio de um espaço escuro. No início, ele achava que as fotos “eram frívolas e bobas, e que eu tinha realmente a responsabilidade de fazer um trabalho que tratasse da AIDS”. No entanto, ao compartilhá-las com outras pessoas, ele começou a vê-las como representações dos espíritos dos mortos e percebeu que elas eram, de fato, uma resposta à doença que assolava a comunidade gay. “As fotos eram realmente um desafio ao medo e à dor, uma espécie de celebração dos espíritos de tantos que haviam falecido.”Kagan, “Interview,” 7.
As fotografias de Scott Em 1989, por meio de um amigo em comum, Lebe conheceu o astro de filmes adultos e autor Scott O'Hara, que pediu a Lebe para tirar fotos dele. Lebe fotografaria O'Hara quatro vezes entre então e a morte de O'Hara em 1998, em imagens nuas e muitas vezes eróticas que também documentam os efeitos da AIDS no corpo de O'Hara, bem como sua determinação em abraçar o prazer sexual como uma força positiva, apesar da doença.
O curador Peter Barberie observa que “essas imagens diferem da famosa exploração de Robert Mapplethorpe de temas semelhantes... por sua ênfase na sexualidade pessoal de O'Hara. Enquanto as fotografias de Mapplethorpe são frequentemente encenadas ou recortadas de forma explícita para objetivar partes do corpo e ações sexuais isoladas, as de Lebe tratam da presença plena de seu sujeito no mundo”.Barberie, Long Light, 31. Para Lebe, as fotografias de Scott representam “uma recusa em desistir dos prazeres da vida” e “um triunfo do espírito sobre a AIDS”.David Lebe, “About the Scott Photographs” (2013), www.davidlebe.com (accessed January 10, 2019).
Alimento para o pensamento e Ritual matinal Em 1989, Lebe conheceu Jack Potter, um artista cerâmico e horticultor, e os dois rapidamente iniciaram um relacionamento que dura há três décadas. Ambos eram HIVs positivos quando se conheceram e desconfiavam dos tratamentos com um único medicamento que eram prescritos na época para combater a doença. Após fazerem um curso de culinária com a chef Christina Pirello, que na época ensinava macrobiótica, eles adotaram uma dieta macrobiótica por cerca de cinco anos e acabaram optando por uma dieta baseada em alimentos integrais de origem vegetal, que continuam mantendo até hoje. Em busca de um ambiente mais saudável e tranquilo, o casal mudou-se para a zona rural do condado de Columbia, em Nova Iorque, em 1993.
Em 1992, quando o casal fez a transição da cidade para o campo, Lebe começou a fazer fotografias de natureza-morta com os vegetais orgânicos que se tornaram seu alimento básico. Para esta série, que ele intitulou Food for Thought (Alimento para o pensamento), Lebe fotografou arranjos de daikon, raiz de lótus, abóbora, feijão, kombu selvagem e outros alimentos contra fundos pretos, às vezes adicionando espirais de luz ao redor deles. De certa forma, essa série reuniu seus fotogramas de plantas anteriores e os retratos desenhados com luz, com os vegetais substituindo os nus masculinos erotizados destes últimos.
Apesar de seus esforços para ter uma dieta e um estilo de vida saudáveis, Lebe e Potter começaram a declinar em meados da década de 1990. Em 1994, na série Morning Ritual (Ritual matinal), Lebe documentou o regime diário de cuidados pessoais de seu amante em pequenos retratos íntimos em preto e branco. “Apesar de seu conteúdo relativamente banal, as fotografias são pesadas com o peso da doença e o conhecimento não somente da própria mortalidade, mas também da de um ente querido”, escreveu Jameson Fitzpatrick na Art in America. “O impulso ansioso de documentar o cotidiano faz com que a série pareça tanto um ritual de luto antecipado quanto um ritual matinal.” Em Jack’s Garden (1996–1997), Lebe fez estudos detalhados dos jardins que Potter cultivava ao redor de sua residência, sem saber por quanto tempo ainda poderiam desfrutá-los.
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