The Velvet Underground é o terceiro álbum de estúdio da banda norte-americana de rock The Velvet Underground. Lançado em março de 1969 pela MGM Records, foi seu primeiro disco com Doug Yule, que substituiu o membro anterior John Cale.

Gravado no final de 1968 no TTG Studios em Los Angeles, o som do álbum – feito principalmente de baladas e canções de soft rock – marcou uma notável mudança de estilo em relação às gravações anteriores da banda. Lou Reed fez isso intencionalmente como resultado do abrasivo álbum anterior, White Light/White Heat. Yule contribui com vocais principais em algumas faixas, enquanto a faixa de encerramento "After Hours" é cantada por Maureen Tucker.

Liricamente, o álbum discute sobre o amor, contrastando com os lançamentos anteriores da banda. Reed concebeu a ordem das faixas e baseou suas composições em relacionamentos e religião. A canção "Pale Blue Eyes" foi aclamada como uma de suas melhores canções de amor, embora "The Murder Mystery" seja conhecida por sua experimentação em um retorno a White Light/White Heat.

Billy Name tirou a fotografia do álbum da banda sentada em um sofá na Factory de Andy Warhol. O processo de gravação começou a curto prazo e, embora a banda estivesse com o moral alto, eles ficaram desapontados por Reed ter criado sua própria mixagem do produto final.

Críticas contemporâneas elogiaram o álbum, que foi um ponto de virada para a banda. No entanto, falhou nas paradas, novamente sofrendo com a falta de promoção pela gravadora da banda. Críticas retrospectivas o classificaram como um dos maiores álbuns da década de 1960 e de todos os tempos, com muitos críticos notando sua produção moderada e letras pessoais. Em 2020, a Rolling Stone o classificou no número 143 em sua lista dos "500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos".

Contexto John Cale foi expulso do grupo em setembro de 1968, e Doug Yule foi contratado como baixista. Yule foi descoberto pelo guitarrista Sterling Morrison através do outro empresário da banda, Hans Onsager. Semanas depois que Yule se juntou ao Velvet Underground, eles começaram a gravar seu terceiro álbum. Lou Reed, principal compositor da banda, acreditava que a banda não deveria fazer novamente algo como White Light/White Heat.

De acordo com Morrison, no início de 1968 a maioria dos equipamentos da banda foram roubados no Aeroporto Internacional John F. Kennedy, o que influenciou o som do álbum. No entanto, Yule rejeita sua afirmação, explicando que não se lembra de tal evento, esclarecendo que a banda estava simplesmente tocando mais melodicamente – Maureen Tucker também diz isso. Reed durante este tempo tinha um gosto crescente por canções tranquilas, e em uma entrevista com Lester Bangs ele destacou as faixas "Jesus" e "Candy Says", declarando que a última é "provavelmente a melhor canção que eu escrevi". Reed considerou que White Light/White Heat foi o mais longe que a banda poderia ir com tal produção e adicionalmente chamou cada álbum que a banda fez de um "capítulo".

Eles começaram a gravar depois de uma turnê na Costa Oeste e o empresário da banda, Steve Sesnick, obteve um tempo curto no estúdio, então a banda teve pouco tempo para se preparar. Na época, Reed estava gerenciando o relacionamento com sua namorada Shelley Albin, o que influenciou sua composição.

Gravação

The Velvet Underground foi gravado durante os meses de novembro e dezembro de 1968, no TTG Studios em Los Angeles. A banda ficou no hotel Chateau Marmont e excursionou com frequência enquanto gravava. Eles escreviam e ensaiavam no hotel à tarde, gravando as canções à noite. Reed e Morrison tocaram guitarras de 12 cordas. A moral no estúdio era geralmente alta – Yule disse que gravar o álbum "foi muito divertido. As sessões foram construtivas, felizes e criativas, todos estavam trabalhando juntos". De acordo com Yule, levou "algumas semanas para as gravações básicas", descrevendo-o adicionalmente como um "álbum de estúdio (feito) ao vivo". Reed intencionalmente tentou colocar Yule no centro das atenções, e os membros da banda suspeitaram que isso poderia ter inflado seu ego. Geralmente, as sessões tinham uma atmosfera feliz; Tucker disse que ela "estava satisfeita com a direção que estávamos indo e com a nova 'calma' no grupo, e pensando em um bom futuro, esperando que as pessoas se tornassem inteligentes e alguma gravadora nos aceitasse e nos fizesse justiça".

"The Murder Mystery" inclui as vozes de todos os quatro membros. Yule afirma que a música foi gravada em um estúdio da MGM Records na Sexta Avenida, em Nova Iorque, embora isso contradiga nas notas de encarte do disco. A faixa de encerramento do álbum, "After Hours", tem um raro vocal de Tucker, solicitado por Reed quando ele sentiu a qualidade doce e inocente de sua voz se encaixar melhor no humor da canção do que no seu. Tucker estava nervosa enquanto gravava a faixa, e depois de oito tomadas fez todos saírem do estúdio, exceto ela, Reed e o produtor Val Valentin. Depois que ela terminou, disse que não iria cantá-la ao vivo a menos que alguém pedisse. Reed gravou vários solos de guitarra para "What Goes On"; quando Valentin comentou sobre como eles estavam ficando sem espaço nas fitas, a banda decidiu manter todos eles, já que Reed não conseguia decidir qual deles soava melhor. Quando Reed fez sua própria mixagem para o álbum – que abafou outras as partes, exceto seus vocais – Morrison e Tucker ficaram irritados. Morrison descreveu o produto final como "anti-produção".

Música e letras A contenção e sutileza do álbum foi um afastamento significativo da abrasividade direta de White Light/White Heat. Reduz as referências sexuais explícitas de seus esforços anteriores, horror e referências a drogas, substituindo-as por discussões sobre religião, amor e solidão. O crítico de música Greg Kot, da Chicago Tribune, caracterizou-o como folk rock, e Troy Carpenter, da revista Rolling Stone, disse que se concentrava no soft rock melódico. De acordo com o jornalista musical Steve Taylor, The Velvet Underground é um álbum pop por causa de suas canções mais acessíveis e "foi chamado de 'Lou Reed com uma banda de apoio' devido à ênfase colocada nas canções em vez de trabalhos sonoros experimentais". O biógrafo Richie Unterberger comentou sobre sua dramática mudança no som: "Tendo feito talvez o álbum mais barulhento de todos os tempos, é quase como se eles tivessem decidido fazer o álbum mais silencioso do mundo".

Reed disse que todas as faixas estavam em ordem e se complementam, elaborando em uma entrevista com Howard Smith:

Reed considerou cada faixa como "pequenas peças", liricamente sem relação com ele mesmo. Além das vigorosas "What Goes On" e "Beginning to See the Light", o álbum contém canções mais melódicas e reflexivas que tratam de várias formas de amor, como "Pale Blue Eyes", "Some Kinda Love", "Jesus ", "I'm Set Free" e "That's the Story of My Life". As guitarras gêmeas de Reed e Morrison se tornaram o som mais proeminente da banda, e o álbum tinha arranjos extras que não tinham distorção. A única canção que exibiu as raízes de vanguarda da banda é "The Murder Mystery". A música levou duas sessões de gravação, e seu poema foi posteriormente incluído no Paris Review.

Lado um A faixa de abertura "Candy Says" é inspirada na drag queen e atriz Candy Darling, que era membro da Factory. Yule canta um conto sobre Darling, que odeia seu corpo e está com dor emocional. Ele faz referência aos pensamentos de Darling afirmando ambiguamente "I’ve come to hate my body" / "And all that it requires in this world". ("Eu vim a odiar meu corpo" / "E tudo o que ele requer neste mundo"). Darling reapareceria no sucesso de Reed em 1972, "Walk on the Wild Side". Morrison diz que a escolha de Yule cantar a faixa foi porque Reed estava desgastado pela turnê. Yule é apoiado por harmonias em estilo doo-wop e vocais de apoio. Esta foi a primeira vez que Yule cantou em um estúdio.

"What Goes On" é otimista e combina várias partes de guitarra com um órgão; este órgão, tocado por Yule, está presente em mais canções do disco. Descrito como a "anomalia" do lado um por Rob Jovanovic, é completo com uma "batida agitada", seu som é resultado de Reed aumentar o volume de sua guitarra durante a gravação. R.C. Baker classificou essa faixa como "um dos maiores hinos existenciais do rock and roll".

"Some Kinda Love" contém letras lascivas, contrastando com o disco, mas ainda tem elementos moderados – Tucker usa apenas um chocalho e o bumbo. Descreve ambiguamente o amor, especificamente o amor religioso. Reed faz referência ao "Hollow Men" de T. S. Eliot. Ele escreve sobre dois personagens, Tom e Marguerita, detalhando uma flerte entre eles. Victor Bockris cita isso como outro exemplo "onde (Reed) faz as letras do rock funcionarem como literatura". Grow disse que esta música explica como o amor é uniforme, enquanto "Pale Blue Eyes" simplesmente discutia "outro tipo de amor", especificamente o adultério, de acordo com Reed.

"Pale Blue Eyes" foi considerada uma das maiores canções de amor de Reed – Morrison a destacou em uma entrevista de 1981. A composição do mesmo remonta a 1966; foi tocada ao vivo desde meados de 1966. Ele descreve o adultério e o pecado como uma extensão das referências religiosas do álbum. Foi inspirado na namorada de Reed na época, Shelley Albin. De acordo com Reed, ele escreveu para alguém que ele sentia falta; faz referência a "I'll Be Your Mirror" e "Been Down So Long It Looks Like Up To Me" de Richard Fariña. Além disso, Steve Sesnick especula que algumas falas são sobre a saída de Cale. Tucker toca uma pandeireta. Reed elogiou o solo de guitarra de Morrison na faixa: "Eu nunca poderia fazer isso. Eu sempre me perguntei como diabos ele fez. Mas era apenas a maneira como ele tocava – intuitivo, mas o intuitivo combinado com o cérebro."

De acordo com Reed, "Jesus" não tem nada a ver com religião, embora ele a tenha descrito como uma canção "de busca". No entanto, Reed pede a Jesus redenção na forma de um sermão alegre. Reed tinha pouco interesse em religião; a mensagem da canção é geralmente profana. Durante o curso da música, o baixo de Yule assume um papel principal no apoio instrumental.

Lado dois "Beginning to See the Light" usa uma frase associada à redenção religiosa. Na canção, Reed discute sua revelação imaginada e afirma sua distinção de ser amado, desta vez em relação à religião. Ele aborda o movimento do amor livre com as linhas "Here we go again" / "I thought you were my friend" ("Aqui vamos nós de novo" / "Eu pensei que você fosse meu amigo"), depois comentando: "Como é ser amado?"

"I'm Set Free" é ambíguo, embora saúda Phil Spector; as despedidas no final da canção imitam as de "You've Lost That Lovin' Feelin'" de Righteous Brothers. Richie Unterberger elogia o solo de guitarra como "um dos mais subestimados do grupo". Esta canção também é cantada por Yule. Na faixa, Reed afirma que está livre de um relacionamento, embora eventualmente descubra que isso não é verdade.

"That's the Story of My Life" tem instrumentação mínima, embora também faça referência a Billy Name. Originalmente, Cale tocava viola para a música em versões ao vivo, embora nenhuma viola tenha sido incluída nesta versão de estúdio. Durante a canção, quatro linhas da letra são repetidas. O título e a letra foram inspirados por um comentário de Billy, que apresentou Reed a uma de suas maiores influências, Alice Bailey. Bockris resume o tema desta música: "A diferença entre o certo e o errado é a história da vida de (Reed)".