Autorretrato é uma obra da artista norte-americana Patti Smith.NOTA: Na verdade são dois autorretratos apresentados em conjunto. Patti é reconhecida como uma figura influente da cena artística e musical do século XX. Sua atuação transcende os limites da música, abrangendo poesia, literatura e artes visuais. Os autorretratos Self-portrait New York 2003/2005 e Self-portrait New York 2001/2003 refletem essa multiplicidade, revelando uma abordagem introspectiva e poética da imagem de si.Autorretrato (Patti Smith). Galeria Uffizi.
Patti Smith: Poética da Imagem e Autorretrato
A escolha da técnica de impressão gelatin silver print, tradicionalmente associada à fotografia analógica em preto e branco, confere às obras uma qualidade atemporal e contemplativa. Essa técnica, amplamente utilizada por fotógrafos como Diane Arbus e Robert Mapplethorpe, permite uma gama tonal rica e detalhada, adequada à exploração das nuances da expressão humana¹.
A Estética da Introspecção: A Técnica Gelatin Silver Print A escolha de Patti Smith pela técnica da impressão em prata gelatinosa (gelatin silver print) nos autorretratos Self-portrait New York 2003/2005 e Self-portrait New York 2001/2003 é, antes de tudo, um gesto estético e ontológico. Trata-se de uma opção deliberada por um meio que carrega o peso da tradição fotográfica moderna, marcado pela densidade simbólica do preto e branco, pelas gradações finas de sombra e pela nitidez silenciosa que convoca a introspecção.
O gelatin silver print tornou-se, a partir do final do século XIX, o padrão dominante para a fotografia em preto e branco, especialmente em contextos artísticos e jornalísticos.Newhall, Beaumont. The History of Photography: From 1839 to the Present. Museum of Modern Art, 1982. Como explica Martin Parr, “a prata gelatinosa permitiu ao fotógrafo controlar o contraste e a definição de forma muito mais precisa do que os métodos anteriores, oferecendo imagens com maior profundidade emocional e dramática”.Parr, Martin; Badger, Gerry. The Photobook: A History. Volume I. Phaidon, 2004, p. 19.
Na obra de Patti Smith, essa técnica ganha uma dimensão autorreflexiva. A artista apresenta-se em composições simples, muitas vezes em espaços domésticos ou de isolamento, sem adornos nem teatralidade. A austeridade formal do suporte fotográfico encontra ressonância com a natureza confessional de seu trabalho literário e musical. O gelatin silver print não apenas registra uma aparência: ele invoca um tempo de contemplação e suspensão, como salienta Roland Barthes ao observar que a fotografia “tem algo de tautológico: uma coisa foi lá, diante da lente, e agora está aqui”.Barthes, Roland. A câmara clara: nota sobre a fotografia. Trad. Júlio Castañon Guimarães. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1984, p. 78.
Smith compreende esse caráter indexical da fotografia – sua “assombrosa evidência ontológica” – e o utiliza para interrogar sua própria presença no tempo.Didi-Huberman, Georges. O que vemos, o que nos olha. Trad. Paulo Neves. São Paulo: Editora 34, 1998, p. 135. Ela se inscreve em uma linhagem de mulheres fotógrafas que utilizaram o autorretrato como meio de afirmação subjetiva e poética, como Francesca Woodman, cuja obra foi marcada por atmosferas espectrais e silenciosas, também exploradas por meio da prata gelatinosa.Krauss, Rosalind. “Photographic Conditions of Surrealism.” October, vol. 19, Winter, 1981, pp. 3–34.
A qualidade tonal do gelatin silver print é essencial para esse efeito. Como observa Naomi Rosenblum, “a riqueza de valores de cinza disponíveis nessa técnica cria uma suavidade tátil, um véu tonal, que confere à imagem uma aparência quase meditativa”.Rosenblum, Naomi. A World History of Photography. Abbeville Press, 2007, p. 467. Em Self-portrait New York 2003/2005, a densidade dos pretos contrasta com os brancos lavados, evocando uma atmosfera de recolhimento que dialoga com a experiência poética da artista, marcada por temas como perda, memória e silêncio.
Essa estética da introspecção tem raízes no modernismo fotográfico, particularmente nas obras de fotógrafos como Edward Weston e Paul Strand, que consideravam a técnica como um campo de precisão formal e transcendência visual.Grundberg, Andy. Crisis of the Real: Writings on Photography Since 1974. Aperture, 1999. Ao adotar esse mesmo meio, Patti Smith inscreve-se em uma tradição que valoriza a densidade filosófica da imagem fotográfica, não como documento, mas como espaço de interioridade.
Ademais, como destaca Liz Wells, “a fotografia em preto e branco tende a descontextualizar o tempo, conferindo às imagens uma ambiguidade temporal que facilita leituras subjetivas e líricas”.Wells, Liz. Photography: A Critical Introduction. Routledge, 2015, p. 121. Isso é evidente na produção de Smith: a ausência de cor retira a imagem de uma cronologia estrita e inscreve-a numa zona de evocação, em que a memória e o sonho operam em camadas indistintas.
É nesse sentido que os autorretratos de Patti Smith se aproximam do conceito de “imagens líricas” proposto por Susan Sontag em On Photography (1977): fotografias que, mais do que representar algo, “expressam uma atitude”.Sontag, Susan. On Photography. New York: Farrar, Straus and Giroux, 1977, p. 119. No caso de Smith, a atitude é de recolhimento, de entrega ao tempo lento da imagem, de aceitação da melancolia e da solidão como formas de conhecimento.
Em suma, o uso do gelatin silver print por Patti Smith não é um capricho técnico, mas uma tomada de posição estética e existencial. A escolha do suporte material configura-se como extensão de sua poética da interioridade, marcada pela sobriedade, pela densidade afetiva e pela busca de autenticidade visual.
O Sujeito em Reflexão: Autorretrato como Prática Artística O autorretrato, enquanto operação artística, transcende a simples representação do semblante do sujeito: ele é, sobretudo, um espaço de interrogação da identidade e de seus deslocamentos. No caso de Patti Smith, artista multivocal cuja trajetória abrange música, literatura, performance e imagem, o autorretrato fotográfico assume uma dimensão meditativa e metalinguística. Em Self-portrait New York 2003/2005 e Self-portrait New York 2001/2003, Smith configura um tipo de visibilidade da interioridade, em que o ato de olhar a si mesma não se esgota na superfície da imagem, mas se volta para a densidade do tempo vivido e da experiência da subjetividade.
A prática do autorretrato por mulheres artistas, como nos casos paradigmáticos de Claude Cahun, Francesca Woodman ou Cindy Sherman, frequentemente implicou uma recusa das representações normativas de gênero e da iconografia tradicional da feminilidade.Chadwick, Whitney. Mirror Images: Women, Surrealism, and Self-Representation. MIT Press, 1998. Smith, por sua vez, não recorre à teatralidade do disfarce ou da paródia – como em Sherman –, mas adota uma posição existencial e sóbria, que se aproxima da “autoperformance do silêncio”, conforme definida por Amelia Jones.Jones, Amelia. Self/Image: Technology, Representation, and the Contemporary Subject. Routledge, 2006, p. 95. A artista não representa um “eu” constituído e estável, mas uma presença em devir, atravessada por afetos, perdas e inquietações.
A fotografia, em sua ontologia, oferece um campo fértil para essa abordagem. Como escreve Roland Barthes, “na Fotografia, a identidade não é já mais o que sou, mas o que fui e o que está prestes a desaparecer”.Barthes, Roland. A câmara clara: nota sobre a fotografia. Trad. Júlio Castañon Guimarães. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1984, p. 89. Essa tensão entre presença e ausência, fixidez e passagem, reverbera nos retratos de Smith: sua figura emerge em meio a ambientes cotidianos ou indistintos, com iluminação rarefeita, evitando qualquer expressão de exuberância. O corpo aparece como índice de uma existência marcada pelo tempo, pela memória e pela melancolia – temas recorrentes em sua obra literária e musical.Smith, Patti. M Train. New York: Knopf, 2015.
A noção de “autorretrato como práxis filosófica” proposta por John Berger é particularmente útil para compreender esses trabalhos. Segundo ele, “retratar-se é refletir sobre o próprio olhar, sobre a distância entre o ver e o ser visto”.Berger, John. And Our Faces, My Heart, Brief as Photos. New York: Pantheon Books, 1984, p. 42. Nos autorretratos de Smith, esse jogo de olhares é suspenso: a artista muitas vezes evita o contato visual direto com a lente, sugerindo introspecção ou recusa da objetificação. Ao fazê-lo, ela desestabiliza o pacto visual que rege tradicionalmente o retrato e o autorretrato – aquele que solicita ao espectador um reconhecimento imediato do sujeito.
Essa operação lembra o que Georges Didi-Huberman chamou de “imagem sobrevivente” (image survivante), ou seja, a imagem que carrega em si uma temporalidade múltipla, que não pertence apenas ao instante do registro, mas que é ativada pela memória, pelo inconsciente e pela expectativa do olhar.Didi-Huberman, Georges. Imagens apesar de tudo. Trad. André Telles. São Paulo: Editora 34, 2013. A presença de Smith nessas fotografias não é imediata nem transparente, mas evoca uma “espessura do tempo” – entre juventude e maturidade, presença pública e interioridade silenciosa.
A escolha da fotografia como meio de autorrepresentação não é insignificante. Ao contrário do autorretrato pictórico, que exige a mediação de um gesto manual e de uma abstração mais livre, a fotografia carrega consigo uma promessa de indexicalidade: ela “foi ali” – como diria Barthes – e capturou algo do real.Barthes, Roland. Op. cit., p. 87. Contudo, no caso de Patti Smith, essa promessa é tensionada: o gesto fotográfico, mesmo dotado de verossimilhança, é impregnado de intencionalidade poética. Como aponta Abigail Solomon-Godeau, “o autorretrato feminino é frequentemente uma prática de resistência às convenções do retrato canônico, implicando a produção de contra-imagens do eu”.Solomon-Godeau, Abigail. “Inside/Out.” In: Photography at the Dock: Essays on Photographic History, Institutions, and Practices. University of Minnesota Press, 1991, p. 104
O gesto autorrepresentacional de Patti Smith recusa o espetáculo da identidade. Ao invés de oferecer uma narrativa coesa de si, a artista oferece fragmentos: olhares suspensos, luz rarefeita, ausência de cor. Sua prática aproxima-se, nesse sentido, da tradição romântica da “figura do poeta” – não no sentido idealizado, mas na vivência da dor, da solidão e do tempo como matérias criativas. Ela ecoa, por exemplo, os autorretratos de Samuel Beckett, que utilizava a fotografia para capturar estados de retraimento e silêncio, ou os registros tardios de Georgia O’Keeffe, em que o rosto da artista se torna um mapa da resistência e da memória.Albers, Patricia. Joan Mitchell: Lady Painter. Knopf, 2011, p. 327.
Por fim, é relevante lembrar que Smith desenvolve sua obra visual paralelamente à sua escrita autobiográfica. Em Just Kids (2010), ela escreve: “As imagens que mais amava não mostravam exatamente o que era visto, mas o que se sentia. Era como se a câmera capturasse algo do espírito daquilo que não se podia dizer em palavras”.Smith, Patti. Just Kids. New York: HarperCollins, 2010, p. 112. Essa poética da sugestão perpassa seus autorretratos, que não buscam representar uma identidade fixa, mas ativar afetos e estados de ser em suspensão.
Patti Smith na Galleria degli Uffizi: Diálogo com a Tradição A presença dos autorretratos de Patti Smith na Galleria degli Uffizi, ícone da cultura visual renascentista europeia, é um gesto de ressignificação museológica e simbólica. O ingresso da artista no acervo — notadamente com as obras Self-portrait New York 2001/2003 e Self-portrait New York 2003/2005, em técnica de gelatin silver print — não apenas amplia os contornos da história da arte autorrepresentacional, mas tensiona as fronteiras entre o cânone clássico e as práticas contemporâneas de subjetividade artística.