Эфемерное искусствоТермин «эфимерный» происходит от греческого слова ἐφήμερος (ephêmeros), которое означает «продолжающийся всего один день», хотя в более широком смысле оно в конечном итоге стало обозначать «кратковременный», без указания конкретного периода времени, но всегда с условием его временности. — совокупность художественных практик, созданных на основе концепции мимолётности во времени, непостоянства как материального и сохраняемого художественного объекта. В силу своего преходящего и временного характера эфемерное искусство не оставляет долговечного произведения, или если оставляет — как в случае моды — оно уже не отражает момента, в который было создано. В подобных выражениях решающую роль играет критерий общественного вкуса, задающего тенденции, для чего необходима деятельность средств массовой информации, а также художественной критики.

Независимо от того, может ли то или иное художественное выражение сохраняться во времени или нет, и хотя многие произведения, созданные с расчётом на долговечность, могут исчезнуть в короткий срок по каким-либо непредвиденным обстоятельствам, эфемерное искусство изначально несёт в себе черту переходности — качество объекта или выражения, мимолётного во времени. Это искусство преходящее, сиюминутное, созданное для мгновенного потребления. Исходя из этого, эфемерными искусствами называют те, которые по своей природе не предназначены для сохранения во времени, либо те, которые постоянно меняются и колеблются. В рамках этого жанра к эфемерным видам искусства можно отнести моду, парикмахерское дело, парфюмерию, гастрономию и пиротехнику, а также различные проявления боди-арта, татуировка, пирсинг. В понятие эфемерного искусства также входят различные формы так называемого акционизма — хеппенинг, перформанс, энвайронмент и инсталляция, — а также концептуального искусства — равно как и иные выражения массовой культуры, например граффити. Наконец, в архитектуре также существует тип сооружений, именуемых эфемерной архитектурой, поскольку они задумываются как временные постройки, выполняющие функцию, ограниченную определённым сроком.

Основы эфемерного искусства

Эфемерный характер определённых художественных выражений — прежде всего субъективное понятие, подчинённое самому определению искусства: термину спорному и открытому для множества значений, менявшихся и эволюционировавших во времени и географическом пространстве, поскольку не во всякую эпоху и не во всяком месте слово «искусство» означало одно и то же. Искусство является компонентом культуры, отражая в своей концепции экономические и социальные подосновы, а также передачу идей и ценностей, присущих любой человеческой культуре на протяжении пространства и времени. Тем не менее определение искусства остаётся открытым, субъективным, дискутируемым; среди историков, философов и художников нет единого мнения на этот счёт. В греко-римской классической античности — одной из главных колыбелей западной цивилизации и первой культуры, осмыслявшей искусство, — искусство понималось как умение человека в любой созидательной сфере и было практически синонимом «мастерства». В II веке Гален разделил искусство на свободные и ремесленные искусства — в зависимости от того, имели ли они интеллектуальное или ручное происхождение. К свободным относились: грамматика, риторика и диалектика — образовывавшие trivium — и арифметика, геометрия, астрономия и музыка — образовывавшие quadrivium; ремесленные включали архитектуру, скульптуру и живопись, а также другие виды деятельности, ныне относимые к ремёслам. В XVI веке начало складываться представление о том, что архитектура, живопись и скульптура — виды деятельности, требующие не только мастерства и навыка, но и особого интеллектуального начала, возвышающего их над прочими ремёслами. Так зарождалось современное понятие искусства, которое в эпоху Возрождения получило название arti del disegno («искусства дизайна»), поскольку именно эта деятельность — проектирование — признавалась главной в создании художественных произведений. Впоследствии к художественным видам деятельности были отнесены музыка, поэзия и танец, а в 1746 году Шарль Батте в труде «Изящные искусства, сведённые к единому принципу» закрепил современное понятие изящных искусств — термин, вошедший в широкое употребление и дошедший до наших дней. Тем не менее попытки установить базовые критерии того, какие выражения можно считать искусством, а какие нет, оказались в известной мере безуспешными: в какой-то мере они возымели обратный эффект и ещё больше подчеркнули неопределённость понятия «искусство», которое сегодня остаётся открытым и трактуемым по-разному, допуская множество форм и концепций, хотя обычно принимается некий минимальный общий знаменатель, основанный на эстетических и выразительных качествах, а также на творческой составляющей. В наши дни к традиционной классификации искусств отдельные критики и историки добавили такие выражения, как фотография, кинематограф, комикс, театр, телевидение, мода, реклама, анимация, видеоигры и т. д., и по сей день существуют разногласия относительно иных видов деятельности выразительного характера.

Существенным аспектом в происхождении искусства является его социальная составляющая — взаимодействие художника и зрителя, произведения и его потребителя. Произведение искусства отвечает социальным и культурным критериям пространства и времени, вне которых, даже сохраняясь как физический объект, утрачивает свою концептуальную значимость — смысл, ради которого было создано. И всё же человек всегда стремился коллекционировать и хранить эти объекты благодаря их уникальным и неповторимым качествам — как свидетельства эпох, сохраняющихся в памяти и представляющих подлинные выражения народов и культур, следовавших друг за другом во времени. Именно коллекционируемый характер одних объектов — в противовес другим, потребляемым значительно быстрее, — стал первым барьером при разграничении одних выражений как искусства от других, нередко пренебрежительно именуемых «модой», «украшением», «развлечением» и тому подобными словами. Музеи и академии искусств, на которые возложено хранение и распространение искусства, в равной мере занимались покровительством и продвижением одних художественных выражений в ущерб другим: картины и скульптуры без труда вошли в эти институты, тогда как иные объекты или создания различного рода были преданы забвению после выполнения своей сиюминутной функции, в лучшем случае сохранившись в памяти благодаря письменным свидетельствам или документам, удостоверяющим их существование.

Давно ведётся полемика о художественности эфемерных выражений — может ли эфемерный характер искусства и красоты обесценивать эти понятия. Обесценивание эфемерного восходит к Платону, для которого прекрасные вещи не были вечными, ибо лишь «идея прекрасного» вечна. Подобным же образом христианство — из которого выросла вся средневековая эстетика — отвергало телесную красоту как нечто преходящее, поскольку единственной неизменной красотой была красота Бога. Однако с XIX века началась смена отношения к эфемерной красоте, которую стали ценить за её внутренние качества. Романтики ценили «то, чего никогда не увидишь дважды», а Гёте утверждал, что лишь эфемерное прекрасно: «Зачем я мимолётна, о Зевс? — говорит Красота. — Я делаю прекрасным лишь мимолётное, — говорит Зевс» (Времена года).

Хотя различные проявления, которые можно отнести к эфемерному искусству, существовали с самого начала художественной выразительности человека — и можно даже считать их чем-то неотъемлемым от определённой концепции искусства, — именно в XX веке эти формы выражения приобрели широкий расцвет. Современная эстетика демонстрирует большое разнообразие тенденций, параллельно с атомизацией стилей, произошедшей в искусстве XX века. Как нынешняя эстетика, так и современное искусство отражают культурные и философские идеи, зарождавшиеся на рубеже XIX—XX веков, нередко противоречивые: преодоление рационалистических идей Просвещения и переход к более субъективным и индивидуальным концепциям — от романтического движения, кристаллизовавшегося в творчестве таких авторов, как Кьеркегор и Ницше, — означали разрыв с традицией и отказ от классической красоты. Понятие реальности было поставлено под сомнение новыми научными теориями: субъективностью времени (Бергсон), теорией относительности Эйнштейна, квантовой механикой, теорией психоанализа Фрейда и др. С другой стороны, новые технологии изменили функцию искусства: фотография и кино взяли на себя задачу запечатления реальности. Все эти факторы породили новые тенденции современного искусства: абстрактное искусство, акционизм и концептуальное искусство, эфемерное искусство, в котором художник уже не стремится отразить реальность, а выражает свой внутренний мир, свои чувства.

В XX веке такие движения, как футуризм, превозносили эфемерный характер искусства: Маринетти написал, что «ничто не кажется мне более низким и ничтожным, чем думать о бессмертии при создании произведения искусства» (Il Futurismo, 1911). Даже архитектор-визионер Антонио Сант-Элиа призывал строить дома, которые «прослужат меньше, чем архитекторы» (Манифест футуристической архитектуры, 1914). Так возникла новая чувствительность, при которой произведения искусства обрели собственную автономию, со временем эволюционируя и преобразуясь параллельно с восприятием их зрителем. В этом контексте художник — лишь мастер, устанавливающий условия для того, чтобы произведение следовало собственной судьбе.

Современное искусство тесно связано с обществом, с эволюцией социальных концепций, таких как механицизм и обесценивание времени и красоты. Это искусство, отличающееся своей сиюминутностью: для его восприятия требуется мало времени. Современное искусство испытывает непрерывные колебания вкуса, меняется одновременно: если классическое искусство опиралось на метафизику неизменных идей, то нынешнее, кантовское по своим корням, черпает удовольствие в социальном сознании наслаждения (массовая культура). В обществе более материалистическом, более потребительском искусство обращается к чувствам, а не к интеллекту. Так особую актуальность приобрела концепция моды — сочетание скорости коммуникаций и потребительской стороны современной цивилизации. Скорость потребления изнашивает произведение искусства, заставляя колебаться вкус, который утрачивает универсальность, уступая место личным предпочтениям. Вследствие этого новейшие художественные тенденции утратили даже интерес к художественному объекту: традиционное искусство было искусством объекта, нынешнее — искусством концепции. Происходит переосмысление активного искусства, действия, спонтанного и эфемерного проявления, некоммерческого искусства.

Наконец, следует напомнить, что восприятие эфемерного неодинаково в западном искусстве и в иных сферах и культурах, равно как не во всех цивилизациях существует одно и то же понятие об искусстве. Одна из стран, где более всего ценится мимолётный и сиюминутный характер жизни и её культурных проявлений, — Япония: искусство обладает в японской культуре глубоким интроспективным смыслом и тесной взаимосвязью между человеком и природой, отражённой также в окружающих его предметах — от самого изощрённого и торжественного до самого простого и повседневного. Это проявляется в ценности, придаваемой несовершенству, эфемерному характеру вещей, эмоциональному отношению японца к своему окружению. Так, например, в чайной церемонии японцы ценят спокойствие и безмятежность того состояния созерцания, которого достигают с помощью простого ритуала, основанного на незатейливых элементах и гармонии, возникающей из асимметричного и незавершённого пространства. Для японцев мир и гармония ассоциируются с теплом и уютом — качествами, в свою очередь верно отражающими их понятие красоты. Даже во время еды важна не количество блюд и не их подача, а чувственное восприятие пищи и эстетический смысл, придаваемый любому действию.

Архитектура