アメリカ合衆国の視覚芸術

右|サムネイル|ギルバート・スチュアート《ジョージ・ワシントン》（『アテナイオン』とも『未完の肖像』とも呼ばれる）は、1796年に制作された彼の最も有名で代表的な作品であり、現在はボストン美術館に所蔵されている。アメリカ合衆国の視覚芸術（あるいはアメリカンアート）とは、アメリカ合衆国において制作された、またはアメリカ合衆国の芸術家によって制作された視覚芸術である。

植民地化以前には、ネイティブ・アメリカンの多様な芸術伝統が栄えていた。またスペインが植民地化した地域では、スペイン植民地様式の建築や、それに伴う他のメディアの様式が急速に確立した。東海岸における初期の植民地芸術は、最初はヨーロッパ出身の芸術家に大きく依存しており、ジョン・ホワイト（1539年生まれ）がその最も早い例である。

18世紀後半から19世紀初頭にかけて、芸術家たちは主にイングランド絵画を基調とした様式で肖像画や一部の風景画を描いた。主要都市ではイングランド様式を模倣した家具職人や同様の工芸家が活躍したが、英語圏植民地における現地生産の陶器は19世紀まで実用一辺倒であり、装飾的な高級品は輸入に頼っていた。

18世紀後半には、ベンジャミン・ウェストとジョン・シングルトン・コプリーという2人のアメリカ人芸術家が、当時最高の芸術形式とされていた歴史画の分野でロンドンにおいて最も成功した画家となった。これは西洋美術におけるアメリカの台頭を最初に示す出来事であった。アメリカ合衆国内に留まった芸術家たちも徐々に技量を高めていったが、ヨーロッパでは彼らに対する認知度はまだ低かった。

19世紀初頭には芸術家を育成する基盤が整備され始め、1820年頃からはハドソン・リバー派が登場し、独創的でアメリカの広大な風景にふさわしいロマン主義的風景画を生み出した。アメリカ独立革命は愛国的な芸術、特に歴史画に対する需要を生み、他方では辺境の風景を記録する芸術家たちも現れた。地方部では、産業革命への反発としてアメリカ工芸運動が並行して形成されていった。

1850年以降、ヨーロッパ様式のアカデミック美術が栄え、アメリカの富裕層が巨万の富を築くにつれて、新旧のヨーロッパ美術がアメリカへ流入し始めた。この流れはその後も続いている。これらの作品を展示するための美術館も次々と開館した。

ヨーロッパにおける近代美術の展開は、1913年のアーモリーショーなどのニューヨークでの展覧会を通じてアメリカに伝えられた。第二次世界大戦後、ニューヨークはパリに代わって世界の美術中心地となった。それ以降、多くのアメリカ美術運動が近代美術およびポストモダン美術を形成してきた。現在、アメリカ合衆国の芸術は非常に多様な様式を包含している。

始まり左|サムネイル|ジョン・ホワイト《ロアノークのインディアンたち》1585年、水彩、ブリティッシュ・ミュージアム北アメリカを訪れた初期のヨーロッパ人芸術家のひとりであるジョン・ホワイトは、東海岸におけるネイティブ・アメリカンの生活を記録した重要な水彩画を残した（現在は大英博物館所蔵）。ホワイトは最初、探検隊の芸術家兼地図製作者としてアメリカを訪れた。植民地時代初期には、西洋様式の美術教育を受けた他の芸術家の多くは陸軍や海軍の士官であり、彼らの訓練には風景のスケッチも含まれていた。やがてイギリス系入植地が十分に拡大すると、専門の芸術家、特に肖像画家が現れるようになったが、彼らの多くはほとんど独学であった。

初期の芸術家として著名な一人にジョン・スマイバートがいる。彼はロンドンで訓練を受けた芸術家で、1728年に美術教授としてアメリカへ移住する予定であったが、結果的にボストンで肖像画家兼版画商となった。彼の友人ピーター・ペルハムも画家・版画家であった。二人とも生計を立てるために他の収入源を必要とし、店を構えていた。一方、後にアメリカ領となるスペイン領土では、主に先住民の芸術家による後期バロック様式の宗教美術が主流であり、ネイティブ・アメリカンの諸文化はそれぞれの伝統に従った芸術制作を続けていた。

18世紀サムネイル|ジョン・トランブル《独立宣言》（事件は1776年、制作は1819年）、アメリカ合衆国議会議事堂ロタンダ、ワシントンD.C. 右|サムネイル|ジョン・シングルトン・コプリー《ワトソンと鮫》（オリジナル版）、1778年、ナショナル・ギャラリー・オブ・アート、ワシントンD.C. 1776年の独立宣言は、アメリカ合衆国という国家の正式な成立を意味するものであった。それ以降、国家は自らの歴史を必要とし、その歴史の一部は視覚的に表現されることになった。初期のアメリカ美術（18世紀後半から19世紀初頭にかけて）の大部分は、歴史画、特に肖像画で構成されている。

植民地時代と同様、肖像画を専門とする画家たちの多くは基本的に独学であった。その中で著名な人物としてはジョセフ・バジャー、ジョン・ブリュースター・ジュニア、ウィリアム・ジェニーズらがいる。若い国家の芸術家たちは、一般にイギリス美術の様式を模倣した。彼らは版画や、ジョン・スマイバートやジョン・ウォラストンのようなイギリスで訓練を受けた移民画家たちの作品を通じてイギリス美術を知っていた。

植民地時代の訓練を受けていない画家ロバート・フィークは、スマイバートの作例を基に洗練された様式を達成した。チャールズ・ウィルソン・ピールは、スマイバートが所蔵していたヨーロッパ絵画の模写を研究することで初期の美術教育の多くを得ており、アメリカ独立革命の重要人物たちの肖像画を多数制作した。

ピールの弟ジェームズ・ピールと、ピールの姪・息子6人（アンナ・クレイプール・ピール、サラ・ミリアム・ピール、ラファエル・ピール、レンブラント・ピール、ルーベンス・ピール、ティツィアーノ・ピール）もまた芸術家であった。

ギルバート・スチュアートのような画家たちは、新しく選出された政府高官の肖像画を描き、これらの作品は19世紀から20世紀初頭にかけて発行されたアメリカ切手に再現されることで象徴的な存在となった。

ジョン・シングルトン・コプリーは、急速に富裕化する商人階級のための象徴的な肖像画を描き、ポール・リビアの肖像（1768-1770年頃）も制作した。彼の最も有名な作品である《ワトソンと鮫》（1778年）のオリジナル版は、ナショナル・ギャラリー・オブ・アートに所蔵されている。

ベンジャミン・ウエストは肖像画だけでなく、フレンチ・インディアン戦争を題材とした歴史画も制作した。またウェストはロンドンで活動し、ワシントン・オールストン、ラルフ・アール、ジェームズ・イール、サミュエル・モールス、チャールズ・ウィルソン・ピール、レンブラント・ピール、ギルバート・スチュアート、ジョン・トランブル、マザー・ブラウン、エドワード・サベージ、トマス・サリーなど、多くのアメリカ人芸術家が彼の下で学んだ。

ジョン・トランブルはアメリカ独立戦争の大規模な戦闘場面を描いた。風景画が描かれる場合も、主に被写体の所有する土地の広さを示すため、または肖像画の背景として絵画的な効果を狙ったものであった。

初期のアメリカ人芸術家による作品セレクション

19世紀サムネイル|300x300ピクセル|アルバート・ビアスタット《ロッキー山脈、ランダーズ・ピーク》、1863年、メトロポリタン美術館：ハドソン・リバー派の例左|サムネイル|229x229ピクセル|メアリー・カサット《子供の沐浴》、1891–1892年、シカゴ美術館右|サムネイル|ナショナル・ギャラリー・オブ・アート、ワシントンD.C. 右|サムネイル|ジェームズ・マクニール・ホイッスラー《灰色と黒の配置：芸術家の母》、1871年。一般に『ホイッスラーの母』として知られる、オルセー美術館、パリアメリカ合衆国における最初期の著名な絵画運動であるハドソン・リバー派は、1820年に登場した。トマス・コールがこの運動を先駆け、アルバート・ビアスタット、フレデリック・エドウィン・チャーチ、トーマス・ドーティらをはじめとする多くの芸術家がこれに参加した。音楽や文学と同様、この発展は「新世界が独自の主題を提供している」という認識が芸術家たちの間に生まれるまで遅れた。具体的には、開拓地が西へ拡大する過程で、フロンティアの壮大で崇高な風景が画家たちの注意を引くことになったのである。

ハドソン・リバー派の画家たちの率直で簡潔な視線は、後にジョン・ケンセットやルミニズムの画家たち、さらにはジョージ・イネスやトーナリズムの画家たち（アルバート・ピンカム・ライダーやラルフ・ブレイクロックらを含む）、そして農村アメリカ——海や山、そしてそれらに寄り添って暮らす人々——を描いたウィンスロー・ホーマーらに影響を与え、着想の源となった。

ハドソン・リバー派の風景画家ロバート・S・ダンカンソンは、重要なアフリカ系アメリカ人画家の一人であった。鳥類学者であり、鳥を描いた画家でもあるジョン・ジェームズ・オーデュボンは、初期アメリカにおける最も重要な自然科学系芸術家の一人である。彼の主要作品である彩色版画集『アメリカの鳥類』（1827–1839年）は、これまでに完成された鳥類学作品の中でも最高傑作の一つとされている。エドワード・ヒックスはアメリカの民間画家であり、クエーカー派（フレンズ派）の著名な牧師でもあった。彼の絵画によってクエーカー派の象徴的な存在となった。

アメリカ合衆国西部を描いた作品群も独自のジャンルとして成立した。これらの多くは、土地の広大さとそこに暮らす先住民の文化を強調するものであった。ジョージ・カトリンは西部とその人々を可能な限り誠実に描き出した。ジョージ・カレブ・ビンガム、そして後にはフレデリック・レミントン、チャールズ・M・ラッセル、写真家のエドワード・S・カーティスらをはじめとする芸術家たちは、自身の作品を通じてアメリカ西部の遺産と「古き西部」を記録した。サムネイル|180x180ピクセル|ジェームズ・マディソン・オールデン《ウィンド・マウンテン》、水彩画（1857–1862年頃） 19世紀のアメリカ美術において歴史画は比較的人気の低いジャンルであったが、ドイツ生まれのエマニュエル・ロイツェが制作した《デラウェア川を渡るワシントン》は、アメリカを代表する有名な絵画の一つである。ウィリアム・B・T・トレゴの歴史画・軍事画は、彼の死後に広く出版され（エドウィン・A・ピープルズによれば、「アメリカ史の本でトレゴの絵が掲載されていないものはほとんどない」と言われるほどであった）。

19世紀のアメリカにおける肖像画家には、訓練を受けていないリムナー（看板画家）であるアンミ・フィリップスのような人物や、ヨーロッパの伝統で学んだトーマス・サリーやG・P・A・ヒーリーのような画家がいた。中産階級の都市生活を描いた画家としてトマス・エイキンズがいる。彼は妥協のないリアリストであり、率直な誠実さによって、当時好まれたロマンチックで感傷的な傾向を突き崩した。その結果、彼は生前はさほど成功しなかったが、現在ではアメリカを代表する最も重要な芸術家の一人と認められている。彼の教え子の一人であるヘンリー・オサワ・タナーは、国際的に高い評価を得た最初のアフリカ系アメリカ人画家である。主にフィラデルフィアで生まれたトロンプ・ルイユ様式の静物画には、ラファエル・ピール（ピール家の一員）、ウィリアム・マイケル・ハーネット、ジョン・F・ピートらがいる。

当時最も成功したアメリカ人彫刻家であるハイラム・パワーズは、生涯のほとんどをヨーロッパで過ごし、《誘惑されるイヴ》のような理想化された女性裸像において伝統的な様式を採用した。

アメリカ人でありながら生涯の多くをヨーロッパで過ごした重要な画家として、メアリー・カサット、ジェームズ・マクニール・ホイッスラー、ジョン・シンガー・サージェントらがおり、彼らは皆フランス印象派の影響を受けている。セオドア・ロビンソンは1887年にフランスを訪れ、クロード・モネと親交を深め、印象派の技法を最初に取り入れたアメリカ人画家の一人となった。19世紀末には、チャイルド・ハッサムやフランク・W・ベンソンらによって実践されたアメリカ印象派が人気の様式となった。

19世紀の著名作品選サムネイル|エマニュエル・ロイツェ《ワシントン、デラウェア川を渡る》（1851年）、メトロポリタン美術館所蔵サムネイル|トマス・コール《ゲリナ（タイコンデロガ近郊の眺望）》（1826–1828年）、フォート・タイコンデロガ博物館所蔵サムネイル|ロバート・S・ダンカンソン《虹のある風景》（1859年）、スミソニアン・アメリカ美術館所蔵

20世紀初頭、アメリカン・リアリズムはアメリカの視覚芸術家たちの新たな方向性となった。アシュカン派の画家であるジョージ・ベローズ、エヴァレット・シン、ジョージ・ベンジャミン・ラクス、ウィリアム・グラッケンズ、ジョン・スローンらは、社会的意識を反映したイメージを作品の中で発展させた。写真家アルフレッド・スティーグリッツはフォト・セセッション運動を主導し、写真を新たな芸術形式として確立するための道を切り開いた。

アシュカン派の芸術家たちはやがて、ヨーロッパから到来したモダニストたちにその座を譲ることとなった。すなわち、ニューヨークの「291ギャラリー」においてスティーグリッツが紹介したキュビストや抽象画家たちである。ジョン・マリン、マースデン・ハートレー、アルフレッド・ヘンリー・マウラー、アーサー・ビーチャー・カールス、アーサー・ダヴ、ヘンリエッタ・ショア、スチュアート・デイヴィス、ウィルヘルミナ・ウェーバー、スタントン・マクドナルド＝ライト、モーガン・ラッセル、パトリック・ヘンリー・ブルース、アンドリュー・ダスバーグ、ジョージア・オキーフ、ジェラルド・マーフィらは、初期アメリカ・モダニズムを代表する重要な画家たちであった。アメリカにおける初期モダニズム彫刻家としては、ウィリアム・ゾラック、エリー・ナデルマン、ポール・マンシップらが挙げられる。また、フローリン・ステットハイマーは、擬似ナイーヴとも呼ぶべき極めて個人的な様式を発展させた。

第一次世界大戦後、多くのアメリカ人芸術家は、アーモリー・ショー以降に広まったモダニズムの潮流や、パリ派をはじめとするヨーロッパの影響を拒絶した。その代わりに彼らは、アメリカの都市や農村の風景を描くにあたり、多様なリアリズムの様式――場合によってはアカデミックな様式――を採用した。グラント・ウッド、レジナルド・マーシュ、ギー・ペンヌ・デュ・ボワ、チャールズ・シーラーらは、それぞれ異なる形でリアリズムの傾向を体現した作家である。シーラーは、モダニストであるチャールズ・デムスやラルストン・クロフォードとともに、機械や建築物を鋭く明晰な輪郭で描いたことから「プレシジョニスト（精密主義者）」と呼ばれた。ヘンライに師事したエドワード・ホッパーは、光と形態に焦点を当て、露骨な社会的主題を避けることで、独自のリアリズム様式を確立したのである。

アメリカ南西部第一次世界大戦後、サンタフェ鉄道の完成によって、アメリカ人入植者たちは西部を横断し、カリフォルニア海岸に至るまでの地域へ容易に移動できるようになった。これに伴い、サンタフェやタオスを中心として芸術家村が形成され始め、芸術家たちの主要な主題は南西部の先住民と風景であった。

南西部のイメージは広告の題材としても人気を博し、とりわけサンタフェ鉄道によって、入植者を西部へ誘致し、「汚されていない自然景観」を楽しませるために活用された。ウォルター・ウーファー、バート・ギア・フィリップス、E・アーヴィング・カウス、ウィリアム・ヘンリー・ジャクソン、マースデン・ハートリー、アンドリュー・ダスバーグ、ジョージア・オキーフらは、南西部を代表する多作な芸術家たちであった。

19世紀末に生まれたジョージア・オキーフは、花、動物の骨、そしてニューメキシコの風景を描いた作品によって広く知られるようになった。代表作には《雄羊の頭骨、白いタチアオイと小さな丘》がある。オキーフは1929年に初めて南西部を訪れ、1949年に同地へ永住した。その後1986年に死去するまで、そこで生活し制作を続けたのである。

ハーレム・ルネサンス（1920年代〜1930年代）ハーレム・ルネサンスは、アメリカ美術史における重要な発展であった。1920年代から1930年代にかけて、教育を受け政治的意識の高いアフリカ系アメリカ人の男女の世代が登場し、人種差別的な固定観念に対抗するため、文学団体や美術展・産業展を支援した。

この運動は、アフリカ系アメリカ人コミュニティに存在する多様な才能を示すものであり、全米各地の芸術家を包含していたが、その中心はニューヨークのハーレムであった。画家・グラフィックアーティストのアーロン・ダグラスと、写真家のジェームズ・ヴァンダー・ジーの作品は、この運動を象徴するものとなった。

ハーレム・ルネサンスに関わった芸術家としては、ロマール・ビアデン、ジェイコブ・ローレンス、チャールズ・アルストン、オーガスタ・サヴェージ、アーチボルド・モトリー、ロイス・マイユー・ジョーンズ、パーマー・ヘイデン、サージェント・ジョンソンらが挙げられる。

ニューディール期の美術（1930年代）左|サムネイル|トーマス・ハート・ベントン《チルマークの人々（人物構成）》（1920年）、ハーシュホーン美術館・彫刻庭園（ワシントンD.C.）所蔵世界恐慌が深刻化すると、フランクリン・D・ルーズベルト大統領のニューディール政策のもとで、複数の公共芸術計画が創設された。これらの計画の目的は、芸術家に雇用の機会を提供するとともに、主として国家的主題を扱う作品によって公共建築を装飾することであった。

その最初の事業である公共芸術事業計画（Public Works of Art Project：PWAP）は、芸術家組合（Artists Union）に所属する失業中の芸術家たちによる働きかけが実を結んで設立されたものである。PWAPは1年にも満たない期間しか継続しなかったが、その間に約1万5,000点の美術作品を生み出した。その後、1935年には公共事業促進局（Works Progress Administration：WPA）の連邦美術計画（Federal Art Project：FAP/WPA）が発足し、アメリカを代表する多くの著名芸術家たちに資金援助を行った。

WPAの委嘱によって制作された公共芸術の多くは、ディエゴ・リベラをはじめとする同時代のメキシコ壁画運動の芸術家たちの影響を受けていた。また、世界恐慌期にはアメリカン・シーン・ペインティング、リージョナリズム（地域主義）、ソーシャル・リアリズム（社会的写実主義）など、いくつかの独立しつつも相互に関連した芸術運動が誕生し発展した。

トーマス・ハート・ベントン、ジョン・スチュアート・カリー、グラント・ウッド、マクシーン・アルブロ、ベン・シャーン、ジョセフ・ステラ、レジナルド・マーシュ、アイザック・ソイヤー、ラファエル・ソイヤー、スペンサー・ベアード・ニコルズ、ジャック・レヴィーンらは、この時代を代表する著名な芸術家たちであった。

戦間期に登場した芸術家たちのすべてが、リージョナリスト（地域主義者）やソーシャル・リアリスト（社会的写実主義者）であったわけではない。ミルトン・エイヴリーの絵画は、しばしばほとんど抽象画に近いものであり、のちに抽象表現主義者として知られるようになる若い芸術家たちに大きな影響を与えた。

また、シュルレアリスムの影響を受けたジョセフ・コーネルは、拾い集めた物品やコラージュを組み合わせた箱型のアッサンブラージュ作品を制作した。

抽象表現主義サムネイル|アーシル・ゴーキー《肝臓は雄鶏のとさかである》（1944年、カンヴァスに油彩、186×249cm）、オルブライト＝ノックス美術館（ニューヨーク州バッファロー）所蔵。この作品は、ゴーキーがセザンヌやピカソの影響から脱し、独自の様式を確立した時期の到達点を示すものである。第二次世界大戦後、ニューヨークの芸術家たちは、国際的に大きな影響力を及ぼす最初のアメリカ発の芸術運動を形成した。それが抽象表現主義である。

「抽象表現主義（Abstract Expressionism）」という用語は、もともと1919年にベルリンで使用されたものであったが、1946年にロバート・コーツが『ニューヨーク・タイムズ』紙上で再び用いた。その後、この時代を代表する二人の有力美術批評家であるハロルド・ローゼンバーグとクレメント・グリーンバーグによって広く普及した。

この名称は、範囲が広すぎるうえに矛盾を含むものとして批判されてきた。しかし一般的には、外界に存在する対象を描写するのではなく、芸術家の内面にある感情や情緒、精神的経験を表現するために抽象芸術を用いることを意味すると理解されているのである。

抽象表現主義の第一世代には、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、マーク・ロスコ、フランツ・クライン、アーシル・ゴーキー、ロバート・マザーウェル、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマン、アドルフ・ゴットリーブ、フィリップ・ガストン、アド・ラインハート、ジェームズ・ブルックス、リチャード・プーセット＝ダート、ウィリアム・バジオテス、マーク・トビー、ブラッドリー・ウォーカー・トムリン、セオドロス・スタモス、ジャック・トワーコフ、ウィルヘルミナ・ウェーバー・ファーロング、デイヴィッド・スミス、ハンス・ホフマンらが含まれる。

また、ミルトン・エイヴリー、リー・クラズナー、ルイーズ・ブルジョワ、アレクサンダー・カルダー、トニー・スミス、モリス・グレイヴスらも、この時代において関連性をもち、重要かつ影響力のある芸術家であった。

この呼称に含まれる芸術家たちは、それぞれ大きく異なる様式を有していたが、同時代の批評家たちは彼らの作品にいくつかの共通点を見いだしていた。ゴーキー、ポロック、デ・クーニング、クライン、ホフマン、マザーウェル、ゴットリーブ、ロスコ、スティル、ガストンらは抽象表現主義運動に属するアメリカの画家であり、その多くはアクション・ペインティングの実践者でもあった（クラインの《Painting Number 2》（1954年）などに見られる）。彼らは1940年代から1950年代にかけてのニューヨーク派（ニューヨーク・スクール）の一員として活動した。

第一世代の抽象表現主義者たちの多くは、キュビスムの作品（美術雑誌の写真や、291ギャラリー、アーモリー・ショーで目にした作品）、ヨーロッパのシュルレアリスム、さらにパブロ・ピカソ、ジョアン・ミロ、アンリ・マティスといった芸術家たちから影響を受けた。また、アメリカのミルトン・エイヴリー、ジョン・D・グラハム、ハンス・ホフマンらの影響も大きかった。

彼らの多くは、伝統的な構図や現実の対象物の再現を放棄した。そして本能的・直感的・即興的な空間、線、形態、色彩の配置を追求することを選んだのである。

抽象表現主義は、主として二つの特徴によって説明することができる。第一に、使用されるカンヴァスが非常に大きいことである。これは、メキシコ壁画運動や、1930年代にWPA（公共事業促進局）の支援のもとで制作された大規模作品から部分的な影響を受けたものであった。第二に、力強く独創的な筆触の使用と、制作過程そのものに対する新たな理解に基づく実験的な絵具の扱いである。これらの要素が、抽象表現主義の特徴を形成しているのである。

カラー・フィールド・ペインティング色彩の強調とその強度の増大、そして広大で開放的な画面空間の追求は、カラー・フィールド・ペインティングと呼ばれる運動の基本原理であった。アド・ラインハート、アドルフ・ゴットリーブ、マーク・ロスコ、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマンらは、この潮流に属する画家として位置づけられている。

これとは別に、アクション・ペインティングと呼ばれる運動も存在した。これは、即興的な反応、力強い筆触、絵具の滴下や飛散、さらには制作過程における画家自身の身体的な動きの強さによって特徴づけられるものであった。ジャクソン・ポロックはその代表的存在である。棒を使って絵具を垂らしたり投げつけたり、あるいは缶から直接注いだりする制作手法を取り入れた彼の創作過程は、絵画技法そのものに革命をもたらした。

ウィレム・デ・クーニングはポロックについて、「彼は我々残りの者たちのために氷を打ち破った」と語ったことで知られている。しかし興味深いことに、ポロックの作品に見られる大画面に反復的な線的構造が広がる表現は、カラー・フィールド・ペインティングの特徴とも重なっている。

美術批評家マイケル・フリードは、1965年にフォッグ美術館で開催された「三人のアメリカ人画家――ケネス・ノーランド、ジュールズ・オリツキー、フランク・ステラ」展のカタログ論文において、この点を指摘している。

批評家たちの間にはさまざまな見解の相違が存在したものの、抽象表現主義がアメリカ美術史における大きな転換点であったことは疑いない。1940年代から1950年代にかけて、国際的な美術界の関心はヨーロッパ、とりわけパリから、アメリカ、とりわけニューヨークへと移行したのである。

カラー・フィールド・ペインティングは1960年代にも運動として継続した。モーリス・ルイス、ジュールズ・オリツキー、ケネス・ノーランド、ジーン・デイヴィス、ヘレン・フランケンサーラーらは、反復、ストライプ、そして広大で平坦な色面を用いることで、余分な修辞性を排除した絵画の創造を目指したのである。

抽象表現主義以後

1950年代のアメリカにおいて、抽象絵画はネオ・ダダ、ポスト・ペインタリー・アブストラクション、オプ・アート、ハードエッジ・ペインティング、ミニマル・アート、シェイプド・キャンヴァス、リリカル・アブストラクションなどの運動へと展開し、同時に抽象表現主義も継続して発展した。一方で、抽象化への傾向に対する反応として、ポップ・アート、ベイエリア・フィギュラティヴ運動、さらに1970年代のネオ・エクスプレッショニズムなど、新たな具象表現の潮流も登場した。

リリカル・アブストラクションは、フルクサス運動やポストミニマリズムとともに、抽象絵画とミニマリズムの境界を拡張しようとした。ポストミニマリズムという用語は、1969年に美術批評家ロバート・ピンカス＝ウィッテンによって『アートフォーラム』誌上で初めて用いられたものである。これらの運動は、制作過程、新素材、新たな表現方法に焦点を当てた。ポストミニマリズムはしばしば工業製品、未加工素材、組み立てられた構造物、既製品、インスタレーション、反復的な連続性などを取り入れ、さらにダダやシュルレアリスムへの言及を含むことが多かった。その代表例はエヴァ・ヘッセの彫刻作品に見ることができる。

アメリカ合衆国の視覚芸術

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