Носимое искусство или или арт-а-порте (англ. Wearable art, фр. Art-a-porter) — это один из видов декоративно-прикладного искусства, направленный на создание предмета одежды или аксессуара, отличающегося художественной значимостью. Wearable art одеждой назвать очень сложно, даже если его предметы и похожи на привычные вещи. Другими словами, помимо эстетической составляющей, произведение «носимого искусства» должно рассматриваться как серьезная и уникальная художественная работа.
При создании предмета арт-а-порте художник использует самые разнообразные материалы (кожу, пластик, метал, ткань, бумагу, живые растения и т. д.), придавая им нужную форму и цвет.
История С конца XIX века до настоящего времени люди часто предпочитали носить одежды, намеренно отличные от установлений высокой моды или опротестовывающие их. В конце XIX века, на пороге эпохи модернизма, так называемый художественный или эстетичный костюм (не костюм художников) был результатом реформаторского движения в моде, по сути антимоды. Изначально связанный с феминизмом, этот тренд позднее стал достоянием общего вкуса, упомянутую одежду носили в основном представители буржуазной интеллигенции в художественных и литературных кругах (а также сами художники и писатели). Эта мода нашла широкую поддержку не только в Великобритании, но и в Соединенных Штатах, в Европе и, в меньшей степени, в британских колониях, например в Австралии. В основе лежала идея о различии ручной работы и массовой продукции, и это была скорее одежда идеалистов, а не модников.
В 1920—1930-е гг. мода считалась отчасти контркультурой. Подобные наряды и ювелирные украшения (зачастую ручной работы) служили альтернативой массовому производству. Популярностью, как правило, пользовались необычные бледные цвета, характерные для женского платья прошлого столетия. В Австралии в те же десятилетия дизайнеры экспериментировали, расписывая шарфы и текстиль модернистскими рисунками с использованием австралийских мотивов (часто растительных). Очевидно, что одежда ручной работы противопоставлялась в данном случае одежде массового производства. Люси Дальгарно (Lucy Dalgarno, 1874—1945), сиднейский дизайнер, в 1920-е годы расписывала ткани и броши, используя местные мотивы. По иронии судьбы она также расписывала одежду в технике батик для первоклассного магазина массовой моды Дэвида Джонса (David Jones).
Однако лишь нонконформистская, антимассовая эстетика контркультуры 1960-х годов вызвала к жизни концепцию искусства, которое можно носить. Не только художники, дизайнеры или интеллектуалы, но также мужчины и женщины, ведущие альтернативный образ жизни, переосмысляли привычные связи между текстилем, женским трудом и ремеслом. Этот ярко оппозиционный стиль одежды, мечтательный, с преобладанием цветочных узоров, широко известен под названием «хиппи». Он свидетельствовал о неприятии консюмеристски унифицированной одежды, а также популистской политики. Украшение рукодельными деталями и знаками, которое изначально являлось индивидуальным занятием, обрело популярность и стало применяться в типовой одежде. Эти отступники-оформители создавали бриколажи из подержанных и рукодельных тканей и нарядов оригинальных расцветок, черпая вдохновение в традициях неевропейских культур: Азии, Индии, Ближнего Востока. Стиль арт-а-порте был распространен на западном побережье Соединенных Штатов (особенно в Сан-Франциско), в Великобритании, Австралии и Новой Зеландии.
В 1960-е — начале 1970-х годов на модном рынке начала появляться одежда с «автобиографическим наполнением». 1970-е можно назвать беспорядочным десятилетием, когда грубые, ретро и этнические мотивы, пережитки позднего контркультурного хиппи-стиля были ассимилированы потребителем, что завершилось огрублением стилей во второй половине 1970-х годов. Концепция носимого искусства сегодня начинает приобретать отталкивающе китчевые коннотации и постепенно утрачивает актуальность.Адам Гечи, Вики Караминас. Мода и искусство / пер. с англ. Е. Демидовой, Е. Кардаш, Т. Пирусской, Р. Шмаракова. — М.: Новое литературное обозрение, 2015. — С. 275-293. — 272 с. — ISBN ISBN 978-5-4448-0289-2
Носимое искусство в ювелирном творчестве Помимо одежды и аксессуаров, направление носимого искусства получило развитие и в области ювелирного искусства, где украшения рассматривались не только как предметы декора, но и как самостоятельные художественные объекты. В этом контексте ряд художников, прежде всего известных в других визуальных дисциплинах, создавали уникальные или ограниченные серии ювелирных изделий как продолжение своей художественной практики.
В модернистский период (1930-е — 1960-е годы) такие эксперименты были связаны с поисками новых форм художественного выражения. Пабло Пикассо создавал авторские украшения, в которых отражались принципы кубизма и сюрреализма; отдельные подвески и броши, связанные с его именем, находятся в музейных и частных собраниях и демонстрировались на выставках, посвящённых художественным экспериментам художников за пределами живописи.
Сальвадор Дали в начале 1940-х годов сотрудничал с ювелиром Fulco di Verdura, разрабатывая сюрреалистические ювелирные композиции, в которых мифологические и фантастические образы переводились в язык золота, эмали и драгоценных камней.
Жорж Брак, сооснователь кубизма, создал серию эскизов ювелирных изделий, основанных на собственных графических работах. Эти проекты, посвящённые темам метаморфоз, полёта и античной мифологии, были реализованы профессиональными ювелирами и документированы в музейных каталогах «Les Bijoux de Georges Braque», связанных с площадках Гран Пале и Центра Помпиду.
Параллельно формировалась линия модернистского авторского ювелирного искусства. Александр Колдер создавал проволочные ожерелья, браслеты и броши, рассматриваемые как разновидность носимой скульптуры. Маргарет Де Патта внедряла в украшения принципы конструктивизма и Баухауса, разрабатывая пространственные композиции из металла и камня. Арт Смит создавал биоморфные серебряные украшения, вдохновлённые сюрреализмом и пластикой человеческого тела, а Сэм Крамер экспериментировал с нетрадиционными материалами и выразительными символическими формами.
К середине XX века авторские украшения стали предметом музейного и выставочного показа. Экспозиции в Смитсоновском музее дизайна, Музее декоративного искусства в Лувре и способствовали признанию ювелирных произведений художников как части истории современного искусства, а не только декоративно-прикладного творчества.
Художник как ювелир Феномен «художник как ювелир» обозначает практику, в рамках которой художники, прежде всего известные в живописи, скульптуре и концептуальном искусстве, обращались к ювелирному объекту как к форме художественного высказывания. В таких работах украшение рассматривалось не как ремесленный продукт, а как носимый художественный объект, связанный с авторским визуальным языком.
К данному направлению относятся эксперименты Пабло Пикассо, Сальвадора Дали и Жоржа Брака, использовавших ювелирную форму для выражения абстрактных, мифологических и символических мотивов. Эти практики сформировали концептуальный мост между современным изобразительным искусством и авторским ювелирным направлением второй половины XX века.
Современные проявления В современной художественной практике отдельные художники продолжают пересекаться с дискурсом носимого искусства. Так, российский художник Павел Пепперштейн, известный живописью, иллюстрацией и концептуальными проектами, выпустил иллюстрированные издания «Приключений Алисы в Стране чудес» в издательской программе V–A–C Press. В 2025 году художественные образы персонажей Кэрролла из этих иллюстраций послужили основой для авторских аксессуарных и носимых интерпретаций, демонстрируя, как литературно-художественные практики продолжают влиять на формы носимого искусства в XXI веке.
Дизайнеры Американская художница Дарла Теагарден создала платье из бумажных формочек для капкейков, поместив в них фотографии глазLovers Eye . Американка Элоиза Корр Данч из бумаги создала изумительное платье в стиле испанской моды XVI века. А Джолис Паонс пустила коктейльное платье с юбкой-пачкой, которая была сделана из множества инструкций к мобильным телефонам. В 2013 году российский дизайнер Ольга Пленкина специально для Mercedez-Benz Fashion Week Russia выпустила коллекцию в жанре wearable art с образами инопланетян и морских тварей.
В 2015 году на шоу Высокой моды в Париже голландские дизайнеры Виктор Хорстинг (Viktor Horsting) и Рольф Снурен (Rolf Snoeren) представили коллекцию "Wearable Art". Изначально живописные репродукции, оформленные в дорогой багет, украшали костюмы девушек-моделей, но с появлением на сцене двух модельеров мгновенно изменили своё предназначение. Виктор и Рольф прямо во время показа сняли «картины» с манекенщиц и трансформировали их в часть декоративного украшения сцены. Таким образом, манекенщицы легко превращались в движущиеся произведения живописи, а завышенные силуэты платьев, с их угловатыми деталями, напоминали сюрреалистические архитектурные фантазии.
Премии в области носимого искусства В Новой Зеландии в 1987 году был учрежден ежегодный конкурс под названием Новозеландская премия носимого искусства (New Zealand Wearable Art Awards). В 2001 году мероприятие переименовали в «Мир носимого искусства» (World of Wearable Art, или WoW). Конкурс представляет собой череду тематических зрелищных подиумных шоу с демонстрацией̆ чрезвычайно оригинальных костюмов и аксессуаров, объединенных общей концепцией вкупе с хореографией, со звуковым, световым сопровождением и спецэффектами. В мероприятии принимают участие местные и зарубежные художники и дизайнеры.
Начиная с 1993 года здесь действует новая Тихоокеанская секция, позднее получившая название «Океания», в которой присутствует категория «носимое искусство». Показ уличной моды — часть общественного фестиваля, учрежденного как попытка выразить политические взгляды радикально настроенной части населения на положение дел в Тихоокеанском. На его основе развилось отдельное событие «Стиль Пасифика» (Style Pasifika), в котором больше внимания уделялось не носимому искусству, а тихоокеанским творческим модным стилям и боди-арту.
В 1998 году в австралийском городе Брум начали проводить ежегодные развлекательные мероприятия с использованием произведении искусства, предназначенных для носки, изготовленных из различных материалов.
В 2002 году Художественное общество города Порт Муди (Port Moody Art Centre Society) в Британской Колумбии провело свой первый ежегодный Конкурс носимого искусства (Wearable Art Awards), и в том же году в Сэнди Бэи (Тасмания, Австралия) впервые вручили награды ежегодного конкурса «Фантазия моды» (Fashion Fantasia), провозгласившего тело холстом для самых необычных и оригинальных одежд.Адам Гечи, Вики Караминас. Мода и искусство / пер. с англ. Е. Демидовой, Е. Кардаш, Т. Пирусской, Р. Шмаракова. — М.: Новое литературное обозрение, 2015. — С. 275-293. — 272 с. — ISBN ISBN 978-5-4448-0289-2.
Критика Некоторые эксперты в сфере искусства считают, что мода – не искусство. Так, критик считает, что за провокационностью, с которой создаются наряды и устраиваются модные шоу, скрываются жажда наживы и желание провоцировать. В своих визуальных отсылках мода зависит от изобразительного искусства, фотографии и кино. Чтобы подкрепить каждую из множества создаваемых ежегодно коллекций, она эксплуатирует эти образы столь нещадно, что их темы быстро утрачивают смысл.Деян Суджич. Язык вещей / пер. с англ. М. Коробочкина. — М.: Strelka Press, 2013. — С. 88. — 240 с. — ISBN ISBN 978-5-906264-03-9. В книге «Мода и искусство» указывается, что рассматриваемый термин "носимое искусство" приобрел пейоративные ассоциации, а сама концепция вышла из моды, считается популистской и часто ассоциируется с локальными художественными мероприятиями и акциями. Вместе с тем многие малые предприятия и сейчас занимаются продажей такой персонализированной, с претензией на искусство, одежды и украшений через Интернет.
Примечания
Ссылки