La photographie abstraite est un genre photographique dans lequel l’artiste s’éloigne de la représentation réaliste de personnes, de paysages ou d’objets matériels pour stimuler la réflexion ou susciter des émotions chez l’observateur en mettant en évidence la beauté cachée des formes, des textures et jeux de couleurs, de perspectives ou d’ombres et de lumière. Elle peut également, en partant d’un fragment d’objet ou de scène naturelle et en l’extrayant de son contexte habituel, lui donner par différents degrés d’abstraction, l’apparence d’un objet irréel ou immatériel. La signification de l’œuvre peut être perçue différemment par chaque spectateur, indépendamment de l’intention originelle de l’artiste.
Les œuvres peuvent être produites à l’aide d’équipement photographique traditionnel en utilisant processus et procédés chimiques ou électroniques. Sans l’aide d’une caméra, elle peut être créée par manipulation d’un film, d’un papier ou d’autres médias photographiques y compris par manipulation numérique. Dans ce dernier cas on peut parler d’ « art numérique ».
Éléments de la photographie abstraite thumb|left|Abstract (Paul Strand - 1917) Le degré d’abstraction d’une photographie abstraite peut varier d’un artiste à l’autre allant du « presque représentatif » comme les images d’Aaron Siskind (E.U.A. / 1903-1991) reproduisant des plaques de peinture pelées ou encore celles de Paul Strand (E.U.A. / 1890-1976), représentations figuratives d’un moment dans une image construite selon les principes théoriques de l’abstraction, jusqu’aux images créées sans caméra ou film de Marco Breuer (Allemagne / 1966) en exposant un matériau photographique à la chaleur, à la lumière ou à un abrasif. Bien que la photographie abstraite ne réponde pas à des règles ou conventions précises, on y retrouve généralement un certain nombre de caractéristiques où les éléments graphiques prennent le pas sur le sujet lui-même. D’une composition claire et structurée résultera l’équilibre entre les formes, les couleurs, les textures et la lumière.
Les formes : elles définissent l'agencement visuel et l'interaction des éléments au sein de l'image au moyen de formes géométriques ou de lignes organiques; des compositions originales attirent le regard. Les couleurs : elles confèrent profondeur et intensité à l'image révélant souvent des significations qui structurent l'œuvre et stimulent son interprétation; elles peuvent susciter des émotions fortes ou créer une atmosphère particulière. Les textures : elles donnent de la profondeur à une image et révèlent la complexité d’objets quotidiens; en captant l'attention du spectateur, elles créent une atmosphère particulière et suscitent une émotion forte chez le spectateur. La lumière : elle met en valeur la forme, les détails ou certaines zones d'un sujet, jouant un rôle important dans la composition et l'atmosphère de la photo; elle peut transformer une scène banale en créant des contrastes qui révèlent des formes et motifs que l’on n’aperçoit pas au premier coup d’œil.
Historique
La photographie abstraite est née au début du comme une tentative de saisir par des moyens techniques les facettes cachées du réel . Le premier à en définir le concept fut Alvin Langdon Coburn en 1916. Les premiers essais thumb|right|Cyanotype de l'algue brune Dictyota dichotoma d'Anna Atkins ) Les premières images que l’on pourrait qualifier de « photographies abstraites » remontent au tout début de la photographie alors que certains chercheurs arrivèrent à créer des effets de lumière sans l’aide d’une caméra grâce à des substances fixant ces effets sur divers supports. Dans la plupart des cas, il s’agissait d’une démarche scientifique sans but artistique. Toutefois, ces recherches sont reconnues comme ayant ouvert la porte aux démarches artistiques subséquentes.
En 1842, John William Draper parvient grâce à un spectroscope à faire apparaitre les spectres lumineux, jusque-là non visibles.
L’année suivante, Anna Atkins (Royaume-Uni, 1799 - 1871) publie un livre de cyanotypes, procédé mis au point par le scientifique et astronome anglais John Frederick William Herschel en plaçant des algues sèches, couleur bleu de prusse, directement sur un support papier Anne Atkins, Photographs of British Algae: Cyanotype Impressions, visible sur le site New York Public Library, Digital Collection, URL : https://digitalcollections.nypl.org/. D’autres essais allant dans la même direction comprennent les vortographes d’Alvin Langdon Coburn, les shadographes de Christian Schad ou les rayogrammes de Man Ray. Ces diverses tentatives font appel à des procédés variés et n’impliquent pas nécessairement l’utilisation d’une caméra :
Cliché-verre : procédé combinant le dessin, la gravure et la photographie en dessinant en négatif sur une surface telle du verre ou un film puis en la transformant en positif sur un papier photosensible. Photogramme : procédé consistant à placer des objets sur une surface photosensible (papier photo ou film) et en l'exposant ensuite directement à la lumière. Luminogramme : variante du photogramme, ce procédé expose directement le matériel photo sensible à la lumière sans l’intervention d’un objet. Chimigramme (ou chemmogramme) : procédé utilisant du gélatinobromure d’argent (le papier photosensible, le révélateur et le fixateur), le chimigramme permet de rendre visibles les transformations physiques des produits chimiques dans l’émulsion, résultant en un genre d’aquarelle. Au Au cours de la première décennie du une vague d’exploration artistique en peinture et en sculpture hâte le passage de l’impressionnisme et du post-impressionnisme au cubisme et au futurisme, vague que l’on retrouva bientôt en photographie. Alfred Stieglitz commence en 1910 à présenter des peintres abstraits dans sa galerie, 291 arts gallery, laquelle n’avait accueilli jusque-là que des photographes. Les premières images que l’on reconnait maintenant comme « photographies abstraites » sont la série « Régularités symétriques de formes naturelles » présentée par Erwin Quedenfeldt à Cologne en 1914. Trois ans plus tard, Alvin Langdon Coburn lance sa série Vortographes composée d’environ vingt-quatre photos prises avec une caméra munie d’un objectif à prismes multiples, résultant en images différentes de ce que voit son œil, très éloignées des portraits et paysages qu’il avait photographiés précédemment. Dans les années 1920 et 1930, nombreux sont les photographes expérimentant avec la photographie abstraite. En Europe, Prague devint le centre de la photographie d’avant-garde avec František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek et Jaromir Funke, tous inspirés par le cubisme et le futurisme. Les images de Rössler spécialement abandonnent toute représentation pour n’être que pures abstractions d’ombres et de lumière.
Fortement influencé à ses débuts par le pictorialisme en photographie et par les peintures de Braque, Kandinsky et Picasso, et après avoir découvert l’œuvre d’Alfred Stieglitz, David Octavius Hill, Julia Margaret Cameron, Gertrude Käsebier et Clarence Hudson White à la Photo-Secession Gallery, Paul Strand s’oriente d’abord vers la straight photography, une photographie sans manipulation de laboratoire ni effets spéciaux. Progressivement, il tente dans des photographies se distinguant peu de celles de ses collègues figuratifs d’aller au-delà de la réalité pour traduire, dans une perspective historico-culturelle, la continuité de l’expérience humaine dans un lieu donné. Dans les années 1920, Christian Schad, à la fois peintre et photographe, réintroduit la technique du photogramme déjà expérimentée au à des fins scientifiques, cette fois comme moyen d’expression artistique abstraite précédant de quelques années les tentatives similaires de Man Ray et de László Moholy-Nagy. Certains, y voyant une invention, se réfèrent à des « schadogrammes » alors que lui-même les appelle « compositions photographiques » dans leur présentation à Tristan Tzara pour reproduction dans son Dadophone.
Après 1930, deux tendances s’observent en photographie abstraite, l’une issue du constructivisme, l’autre du surréalisme. La première est représentée par László Moholy-Nagy, chef de file de l’école moderniste néo-Bauhaus, qui présente à partir de 1937 un travail dans lequel la conception des éclairages fait appel aux luminogrammes et photogrammes dans la tradition constructiviste. D’autres artistes s’inspirent du surréalisme et du futurisme comme Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat et Filippo Masoero dont les travaux remettent en question à la fois la réalité et la perspective. Bien que surtout connu pour ses photographies réalistes, André Kertész, aussi associé au mouvement dadaiste, se signale par ses compositions qui distordent lumière, perspectives et représentations classiques pour générer des formes nouvelles et originales.
Pendant et après la Seconde Guerre mondiale, des photographes comme Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith et Lotte Jacobi photographient des objets sous des angles montrant que même la nature autour de nous contient des éléments d’abstraction qui y sont imbriqués.
Au cours de la décennie 1950, Frederick Sommer innove en photographiant des objets trouvés, préalablement réarrangés, résultant en images ambigües pouvant donner lieu à diverses interprétations comme celle, particulièrement énigmatique et révélatrice, intitulée The Sacred Wood, titre donné par T.S. Eliot à son essai sur la critique et la signification.
Les années 1960 sont marquées par de nouvelles explorations repoussant les limites du médium, comme celles des photographes Ray. K. Metzer, Robert Heinecken et Walter Chappell.
Vers le milieu de la décennie 1970, Joseph H. Neumann introduit les chemmogrammes, des photographies résultant d’un développement photographique dans lequel l’image originale est transformée après l’étape d’agrandissement par l’ajout de teintures chimiques lui donnant l’aspect d’une photographie abstraite. Contrairement toutefois au processus numérique qui lui succédera avec l’avènement de l’ordinateur reproductible à l’infini, chaque pièce ainsi créée est unique. La fin des années 1970 voit les photographes aller jusqu’aux extrêmes limites de ce que permet la photographie traditionnelle développée en chambre noire. Inspirée par le travail de Moholy-Nagy, Susan Rankaitis commence à incorporer des images empruntées à des textes scientifiques dans des photogrammes géants. Elle produit par la suite d’énormes constructions interactives qui élargissent la notion même de ce que pouvait être la photographie, que ce soit sur le plan matériel ou notionnel. On a ainsi pu dire de son œuvre qu’elle « imitait la fragmentation de l’intelligence contemporaine ».
L’avènement de l’ordinateur a permis aux artistes des années 1990 d’explorer de nouvelles techniques dans la création photographique. Des photographes comme Thomas Ruff, Barbara Karsten, Tom Friedman, Carel Barth créent ainsi des œuvres où se juxtaposent photographie, sculpture, impression et images générées par ordinateur. Toutefois, l’immense popularité de la photographie numérique pousse un certain nombre d’artistes comme Mel Bochner (E.U.A. - 1940-2025) à retourner aux sources, suscitant un nouvel engouement pour une utilisation inventive de la photographie analogique. Retournant au travail de chambre noire, ceux-ci reviennent aux premiers âges de la photographie avec des images produites sans l’aide de caméras, aux photogrammes, à la solarisation des images ou à la cyanographie. Les courants contemporains